Historia de la música

Historia de la música
	aspeutu de la historia

La historia de la música ye l'estudiu de les distintes tradiciones na música y el so orde nel mundu.

Puesto que toa cultura conocida tuvo dalguna forma de manifestación musical, la historia de la música abarca a toles sociedaes y dómines. Nun se llinda —como ye habitual en dellos ámbitos académicos— a occidente, onde de cutiu s'utiliza la espresión «historia de la música» pa referise puramente a la historia de la música europea y la so evolución nel mundu occidental.

La música d'una determinada sociedá ta estrechamente rellacionada con otros aspeutos de la so cultura, como la so organización económica, el so desenvolvimientu teunolóxicu, tradiciones, creencies relixoses, etcétera.

Nel so sentíu más ampliu, la música naz col ser humanu, y yá taba presente, según dellos estudios, muncho primero de la migración de los primeros grupos que dexaron África, hai más de 50 000 años.^[1] Ye por tanto una manifestación cultural universal.

Música na Prehistoria (50 000 e.C. -5000 e.C. )

Demostróse la íntima rellación ente la especie humana y la música, y ente que delles interpretaciones tradicionales venceyaben el so surdimientu a actividaes intelectuales venceyaes al conceutu de lo sobrenatural (faciéndola cumplir una función de finalidá supersticiosa, máxica o relixosa), anguaño rellacionar colos rituales d'apareyamientu y col trabayu coleutivu.^[2]

Pal home primitivu había dos señales que evidenciaban la separación ente vida y muerte: el movimientu y el soníu. Los ritos de vida y muerte desenvolver nesta doble clave. Nel llamáu arte prehistórico danza y cantar fúndense como símbolos de la vida ente qu'apaciguadura y silenciu confórmense como símbolos de la muerte.

L'home primitivu atopaba música na naturaleza y na so propia voz. Tamién aprendió a valise de rudimentarios oxetos (güesos, cañes, tueros, conches...) pa producir soníos.

Hai constancia de qu'escontra'l 3000 e.C. en Sumeria yá cuntaben con instrumentos de percusión y cuerda (llira y arpa). Los cantares cultos antiguos yeren más bien llamentos sobre testos poéticos.

Na prehistoria apaez la música nos rituales de caza o de guerra y nes fiestes onde, alredor del fueu, danzar hasta l'escosamientu. La música ta basada principalmente en ritmos y movimientos qu'asonsañen a los animales. Les manifestaciones musicales del home consisten na exteriorización de los sos sentimientos al traviés del soníu emanado de la so propia voz y col fin d'estremalo de la fala qu'utiliza pa comunicase con otros seres.

Los primeros instrumentos fueron oxetos, instrumentos o'l mesmu cuerpu del home que podíen producir soníos. Estos instrumentos podemos clasificalos en:

a) Autófonos: aquellos que producen soníos per mediu de la materia cola que tán construyíos. Son instrumentos de percusión; por casu, güesu contra piedra.

b) Membranófonos: serie de instrumentos más senciellos que los construyíos pol home. Tambores: fechos con una membrana tirante, sobre una nuez de cocu, un recipiente cualesquier o una verdadera y auténtica caxa de resonancia.

c) Cordófonos: son aquellos de cuerda; por casu, l'arpa.

d) Aerófonos: el soníu aniciar nellos por vibraciones d'una columna d'aire. Unu de los primeros instrumentos ye la flauta, nun principiu construyida con un güesu con furacos.

Oríxenes de la música

Ye difícil precisar con exactitú l'orixe de la música y enmarcalo nuna dómina precisa de la historia. L'orixe de la música, entiéndese como la creación de soníos complexos.

Mundu antiguu (5000 e.C. -476 d. C.)

Antiguu Exiptu y Mesopotamia

La música n'Exiptu tenía avanzaes conocencies que yeren acutaos pa los sacerdotes. Nel Imperiu Nuevu utilizaben yá la escala de siete sonidos. Esti pueblu cuntó con un instrumentario ricu y variáu; dalgunos de los más representativos son l'arpa como instrumentu de cuerdes y l'oboe doble como instrumentu de vientu. En Mesopotamia los músicos yeren consideraos persones de gran prestíu; acompañaben al monarca non solo nos actos de cultu, sinón tamién nes suntuoses ceremonies de palaciu y nes guerres. L'arpa ye unu de los instrumentos más apreciaos en Mesopotamia. La espresión musical de Mesopotamia ye considerada orixe de la cultura musical occidental.

Antigua Grecia

Escena d'una llacuada escontra'l sieglu II e.C. Esti baxorrelieve vien de la cultura indogriega. Yera habitual atopar a un músicu tocando una siringa o similar. *Ancient Oriental Museum* de Tokiu.

Na Antigua Grecia, la música viose influyida por toles civilizaciones que la arrodiaben, dada la so importante posición estratéxica. Cultures como la mesopotámica, etrusca, exipcia o inclusive les indoeuropees fueron d'importante influencia tantu nes sos músiques como nos sos instrumentos musicales. Los griegos daben muncha importancia al valor educativo y moral de la música. Por ello ta bien rellacionada col poema épicu. Apaecen los bardos o aedos que, acompañaos d'una llira, analayen de pueblu en pueblu pedimiando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y les sos lleendes. Foi entós cuando se rellacionó la música estrechamente cola filosofía. Los sabios de la dómina resalten el valor cultural de la música. Pitágores considerar «una medicina pa l'alma», y Aristóteles utilizar pa llegar a la catarsis emocional.

Darréu apaez n'Atenes el ditirambu, cantares empobinaos a Dionisos, acompañaos de dances, y l'aulós, un instrumentu paecíu a la flauta. Surden coles mesmes drames, traxedies y comedies d'una manera combinada pero ensin perder la danza, la música y la poesía.

Los principales instrumentos utilizaos en Grecia fueron la llira, la cítara, l'aulós, la siringa (tamién llamada flauta de Pan, pola so creación mitolóxica qu'arreya a Pan y Siringa), dellos tipos de tambores como por casu el tympanon (siempres en manes de muyeres), el crótalo, el címbalu, el sistro y les castañueles.

Antigua Roma

Roma conquistó Grecia, pero la cultura d'ésta yera bien importante y, anque dambes cultures fundiéronse, Roma nun apurrió nada a la música griega. Eso sí, evolucionó a la manera romana, variando n'ocasiones la so estética. Davezu utilizábase la música nes grandes fiestes. Yeren bien valoraos los músicos virtuosos o famosos, añadiendo aguaes humorístiques y distendíes a les sos actuaciones. Estos músicos vivíen d'una manera bohemia, arrodiaos siempres de fiestes.

Nos teatros romanos o anfiteatros representábense comedies al estilu griegu. Los autores más famosos fueron ente otros Plauto y Terencio. La traxedia tuvo trescendencia siendo'l so máximu cultivador Séneca. La música tenía un papel trascendental nestes obres teatrales.

A partir de la fundación de Roma asocede un finxu musical, los ludiones. Estos yeren unos actores d'orixe etruscu que baillaben al ritmu de la tibia (una especie de aulós). Los romanos intenten asonsañar estos artes y añaden l'elementu de la música vocal. A estos nuevos artistes denominóse-yos histriones que significa baillarinos n'etruscu. Nenguna música d'esti estilu llegó hasta nós salvo un pequeñu fragmentu d'una comedia de Terencio.

Cuando l'imperiu romanu consolídase, llega la inmigración qu'arriquez considerablemente la cultura romana. Fueron relevantes les aportaciones de Siria, Exiptu y les que proveníen de la Península Ibérica, actual España. Vuelven apaecer antiguos estilos como la citarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa). Yeren habituales los certámenes y competiciones nesta disciplina.

La música na China Antigua: simboloxía y testura na música tradicional china

Dende los tiempos más antiguos, en China la música yera tenida en máxima considerancia. Toles dinastíes dedíquen-y un apartáu especial. Entá güei la música China ta trescalada de la tradición secular, llexendaria y misteriosa d'una de les filosofíes más antigües del mundu.

La esplicación acústica que sofita esti sistema musical ye'l de la quinta soplada. Si soplamos con fuercia nun tubu zarráu, correspondiente, por casu, a fa₄ va llograse una quinta xusta cimera, ye dicir do₅. Pero esti do₅ tamién puede llograse soplando de normal n'otru tubu que mida dos tercios del llargor del primeru.

Al cortase un tercer tubu, que mida dos tercios de do₅ va llograse una quinta xusta cimera a do₅, esto ye, sol₅. Como esti soníu ta bien alloñáu de huang-chung, dóblase'l so llargor y llógrase sol₄, yá que la rellación doble correspuende a la octava.

Pero los teóricos chinos diéronse cuenta de que podíen llograr esi mesmu sol₄, cortando un tubu que midiera cuatro tercios de do₅.

Trabayando asina, y siempres socesivamente con rellacionar dos tercios y cuatro tercios, llegaron a la escala de los 12 lu, cola cual algámase la octava. Non la octava xusta, a éstes una y bones la razón 1:2 nunca equival a la ecuación 12 2/3. Llograron entós, una escala dodecafónica de temperamentu desigual.

El peligru d'esta escala cíclica ye que, por más procuros que s'adopten, les fracciones fáense cada vez más complicaes y irreductibles a númberos enteros. Si damos el númberu ochenta y uno al huang-chung y aplicámos-y el principiu cíclicu (2/3-4/3) al llegar al sestu lu empiecen númberos con fracciones, y cada vez se faen más complicaes les ecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42,666-56,888-etc., meros lu pa la so escala avezada.

Nel sieglu IV e.C. los teóricos chinos trataron d'archivar les quintes p'algamar la octava, esto ye, intentaron el temperamentu igual, pero solu nel añu 1596 el príncipe Tsai-Yu propón afinar los tubos según un principiu equivalente al temperamentu igual.

Cada vez qu'un tubu masculín produz unu femenín, el masculín, ye maríu y el femenín esposa. Cada vez qu'un tubu femenín produz unu masculín, el tubu femenín ye la madre y el masculín el fíu.

Los cinco primeros soníos del ciclu de quintes constitúin la escala avezada básica, pentatónica anhemitonal (ensin semitonos).

Música de la Edá Media (476-1450)

Los oríxenes de la música medieval confundir colos últimos desarrollos de la música del periodu tardíu romanu. La evolución de les formes musicales apegaes al cultu resolver a finales del sieglu VI nel llamáu cantu gregorianu. La música monódica profana empezó colos llamaos cantares de goliardos (ss. XI y XII) y algamó la so máxima espresión cola música de los menestrelli, xuglares, trovadores y troveros, xunto a los minnesinger alemanes. Cola apaición nel sieglu XIII de la escuela de Nôtre-Dame de París, la polifonía algamó un altu grau de sistematización y esperimentó un gran tresformamientu nel sieglu XIV col llamáu Ars Nova, que constituyó la base de la que se sirvió'l humanismu pal procesu que remató na música del Renacimientu.

La música na Ilesia católica primitiva

Constantino dio llibertá de cultu a los cristianos en Roma col Edictu de Milán hacia l'añu 325 d. C. Esti nuevu espíritu de llibertá impulsó a los primeres cristianos a allabar a Dios per mediu de cantaraes. Estos cristianos primixenios, buscando una nueva identidá nun deseyaben utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma d'aquella dómina.

Pa unificar los criterios musicales cristianos, San Pedro introdució melodíes orientales. Cabo recordar que la música en Grecia alcuéntrase más rellacionada con Asia que con Europa. Los Salmos son cantares llitúrxicos conteníos nel Antiguu testamentu dientro del Llibru de los salmos, ellos son d'orixe hebréu y los himnos son cantares d'allabancia de tradición helénica. Son estes formes de música d'orixe oriental y basaes nuna melodía cantada solo cola voz humana y ensin acompañamientu instrumental de nengún tipu, les que dieron forma a la música dende entós y hasta principios del segundu mileniu.

Nun documentu escritu por Plinio el Mozu col enfotu de informar al emperador Traxanu alrodiu de los costumes de los cristianos, atopamos una interesante referencia de la so música: «... ellos (los cristianos) teníen el costume d'axuntase nun día específicu a l'alba, p'allabar a Cristu como si d'un dios tratárase, con un cantar alterno».

El cantar alterno ye aquel que se desenvuelve ente dos coros, unu de los cualos canta una estrofa y l'otru respuéndelu. Na lliturxa católica conózse-y como antífona, y puede cantase cola participación de dos coros o d'un solista y la congregación.

San Ambrosio, obispu de Milán, introdució en Antioquía cantaraes en forma d'antífona. Compunxo al empar himnos. Los sos himnos xunto con otros yá esistentes llueu s'arrobinaron por toa Italia. Por cuenta de les frecuentes amenaces contra l'Imperiu romanu per parte de les tribus bárbares esistió un gran baturiciu que provocó una dispersión de les melodíes y l'alteración de les mesmes en cada rexón.

El cantu gregorianu

El cantu gregorianu ye un cantar llitúrxico de la Ilesia católica. Ye utilizáu como espresión y mensaxe dientro del cultu y coles mesmes como mediu d'espresión relixosa. Les principales carauterístiques xenerales d'esti estilu musical son les siguientes: de normal son obres d'autor desconocíu, son cantaes solo por homes, monódicas cantaes a capella ensin ornamientos instrumentales, son obres escrites en llatín cultu, el ritmu ye llibre, l'ámbitu de la so interpretación ye amenorgáu a poques persones, la melodía muévese graos conxuntos y los llamaos ocho modos gregorianos, tien forma de diálogu oratoriu de rezos y por ello son cantares austeros.

Estos cantares monódicos pueden clasificase según: el momentu de la lliturxa o del día nel que son interpretaes, según el incipit lliterariu pueden ser himnos, salmos, cantaraes d'allabancia, etc.; según el modelu d'interpretación, si son de tracto solista o congregatorio, antifonal (alternación de dos coros), responsorios de solista y coru o d'estilu coral direutu.

Otros tipos de cantar

Cantar ambrosiano propiu de la lliturxa ambrosiana o milanesa: cantar de finales del sieglu IV, que crean l'himnu ya inflúi nel cantu gregorianu que va ser el nuevu cantar oficial.
Cantar hispánico o mozárabe propiu de la lliturxa del mesmu nome: cantar calteníu nes rexones d'Al-Ándalus, los centros van ser Córdoba, Sevilla, Toledo y Zaragoza. En 1076, ye sustituyíu pol cantar gregorianu, menos naquelles ciudaes que solicitaben una dispensa pa caltener el so propiu cantar, como foi la ciudá de Toledo.
Galicanu: cantar propio de la Ilesia franca que foi sustituyíu pola lliturxa romana.

Ver tamién

Música del Renacimientu (1450-1600)

Escuela flamenca

Ye na rexón flamenca (nos Países Baxos) onde, pol so desenvolvimientu económicu, la polifonía recibió un mayor impulsu y algamó la so máxima rellumanza ente los sieglos XV y XVI. Los músicos de Flandes llueu s'estremaron por una téunica de contrapuntu escelsa, y una inspiración cuasi-divina. En poco tiempu, esto viose reflexáu nuna mayor influencia per parte de los músicos flamencos en toos o casi tolos centros musicales d'Europa. Onde había polifonía podía atopase a un músicu flamencu. Esto viose, amás, potenciáu gracies a la edificación d'enormes catedrales onde foi creada una gran cantidá de schola cantorum.

Yá pa finales de sieglu XV, apaeció na escena musical un gran personaxe, de quien se diz salvó a la música polifónica de los designios del santu padre: Josquin Des Pres. Anque de nacionalidá francesa, vivió dende bien nueva n'Italia. Col so estilu cautivó a más d'unu, amosó gran maestría nel manexu del contrapuntu y fixo usu del semitonu. Dizse que Des Pres escribía tan solo cuando-y daba la gana: daqué raru na so dómina y l'empiezu d'una gran llibertá pa los compositores.

Música renacentista francesa

La chanson, música de tipu cordal que va desaguar nel madrigal. Nél destaquen Pierre Attaignant, Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600). Les peculiaridaes d'esti compositores son l'enorme rellumu y fuercia rítmico que dan a la so música un calter descomanadamente estravertíu, estremar por tener realismu espresivu, describe la naturaleza y resalta la espresión del testu; unu de los sos esponentes ye Clement Janequin. Escribió un de los cantares populares llamáu L'Ahutte. Esta melodía describe escenes de cacería, cuadros de batalla, parllotéu de muyeres y el dir y venir de la xente de los mercaos. Describir como si quixera pintalos nun frescu p'amosar na vida común.

El cantar de la reforma relixosa aplicar a melodíes de cantares populares y utilízase pal serviciu relixosos onde interveníen grandes grupos de persones.

Xuan Calvino utilizó esi cantar masivo al unísonu y harmonizar a cuatro voces.

Música renacentistes italianes

La música italiana viose condicionada pol papel qu'ocuparon los compositores flamencos como: Adrián Willaert y los sos discípulos que tresplantaron l'estilu polifónicu holandés. En menos d'un sieglu, Italia reemplazó a los Países Baxos como centru de la vida musical europea. Esistíen dos tipos de formes musicales:

la fróttola, que yera un tipu de cantar estróficu, silábicamente musicalizada a cuatro voces, con esquemes rítmicos marcaos, harmoníes diatóniques y un estilu homófonu cola melodía na voz cimera. Tien dellos subtipos como la barzelleta, el capitolo, el estrambotto, etc. Solíase executar cantando la voz cimera y tocar les otres trés voces a manera d'acompañamientu. Los sos testos yeren amatorios y satíricos. Los sos principales compositores fueron italianos.
la lauda, contrapartida relixosa de la fróttola; cantar en xuntes relixoses semipúbliques a capella, o con instrumentos que tocaben los trés voces cimeres. Yera na so mayor parte silábica y homófona, cola melodía na voz cimera, llamada música.

Música renacentista inglesa

Na música de la renacencia inglesa, destácase'l compositor William Byrd, quien desempeñó un papel crucial na música de clave; otru compositor d'alta relevancia ye John Dowland, compositor d'arrogantes y reconocíes melodíes pa llaúd.

Música renacentista alemana

Mientres el sieglu XVII, Alemaña vivía la guerra de los 30 años, el Sacru Imperiu Xermánicu a cargu del Emperador Felipe II y del so hermanu Fernandu I, enfrentaba una guerra contra'l protestantismu n'Alemaña, por tanto les artes n'Alemaña sufríen una fuerte represión per parte del cleru antes y mientres la guerra; ente otros, nun yera dexáu componer n'alemán, sicasí diose la paz de Westfalia, pola intervención del cardenal Richelieu na guerra, y les artes floriaron n'Alemaña, ente los primeros compositores en destacar tán Esaías Reusner, Johann Pachelbel y Heinrich Schütz, anque estos nun escribieron la música relixosa n'alemán, unu de los primeros en componer n'alemán fueron los organistes Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.

Música renacentista española

Como nes lletres, el sieglu XVI ye tamién el Sieglu d'Oru de la música española. Destaquen les obres de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.

Ente les obres más importantes de la renacencia destáquense: el Cancioneru de palaciu, música de la corte de los Reis Católicos (Sabela I de Castiella y Fernandu II d'Aragón), el cancioneru Al-Ándalus, los llibros en cifres pa vihuela d'Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez, Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina.

Música del periodu de la práutica común o "clásica" (1600-1900)

Barrocu (1600-1750)

La música barroca ye'l periodu musical qu'apodera a Europa mientres tol sieglu XVII y primer metá del siguiente, siendo reemplazada pol clasicismu hacia 1750-1760. Considérase que nació n'Italia y algamó la so máxima rellumanza n'Alemaña mientres el barrocu tardíu. Ye unu de los periodos más ricos, fértiles, creativos y revolucionarios de la historia de la música.

Nesti periodu desenvolviéronse nueves formes y operáronse grandes meyores téuniques tantu na composición como nel virtuosismu; asina tenemos: cromatismu, espresividá, baxu cifráu y baxu continuu, intensidá, ópera, oratoriu, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía.

El baxu continuu

Tamién llamáu so cifráu, designa'l sistema d'acompañamientu escurríu a empiezos del periodu barrocu, y ye amás un sistema estenográfico o taquigráficu d'escritura musical. Como téunica de composición dexaba al compositor trazar tan solo la contorna de la melodía y el baxu cifráu, dexando les voces medies, esto ye'l rellenu harmónicu, a la invención del continuista. La execución del continuu rique dos instrumentistes: un instrumentu melódicu grave (viola, gamba, violoncelo, contrabaxu, fagó, etc.) qu'executa les notes del baxu y un instrumentu harmónicu (laud, clavecín, órganu) a cargu del continuista, quien desendolca improvisadamente les harmoníes, acordies coles cifres del baxu cifráu, na forma d'acordes arpexos o otres figuraciones, tou ello de conforme al estilu y les necesidaes espresives del testu musical.

El sistema tonal

El sistema tonal foi una evolución dende los postreros maestros de la música medieval hasta la so máxima rellumanza dende Bach a los últimos compositores tonales del posromanticismo. Nos sos empiezos, definióse una harmonía musical compuesta por siete asuntos distintos: les notes, los intervalos, los xéneros, los sistemes d'escala, los tonos, la modulación y la composición de melodíes.

Barrocu tempranu (1600-1650)

La música n'Italia mientres los sieglos XVI, XVII y principios del XVIII taba viviendo'l so apoxéu y amás taba en busca de la máxima rellumanza artística, de lo escelso a lo sublime; la gayola de lo relixoso apostar ente lo humano y lo divino nel campu de batalla que yera'l Barrocu. El theatrum mundi italianu vivía sol preceptu de «delectare et movere» (‘allantar y emocionar'). La sprezzatura italiana, daba pasu a lo que sería'l más grande espectáculu de la voz humana: la ópera. El alcuerdo grosso italianu y la orquesta italiana fueron el prototipu de composición y d'execución a siguir por toa Europa occidental. Los castrati xueguen un rol preponderante mientres el Barrocu italianu, yeren el Barrocu humanu, lo formoso estravagante y al empar lo grotesco, lo confuso o manierista, lo bello colo monstruoso, la moral y l'escayencia contra la rellumanza suprema de la sociedá de la Italia barroca (Caffarelli, Senesino, Carestini) inmortalizados por una voz que trescendía'l conceutu de «perfeición», qu'inclusive a dalgunos llevó a la llocura.

El violino italianu, una puesta n'escena del manierismu barrocu, yera un vehículu más pal virtuosismu del ejecutante que del compositor, que namái indicaba pautes que los intérpretes tomaben con gran llibertá. Exemplos d'esta dómina son los dolce conciertos de Pietro Locatelli, y el alcuerdo grosso d'Arcangelo Corelli.

Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621).
Claudio Monteverdi (1567-1643) foi un perimportante compositor italianu, unu de los primeros en desenvolver los recursos barrocos, los qu'aplicó estensamente a la ópera, el madrigal y la música relixosa. Dominó tantu los nuevos estilos d'empiezos del sieglu XVII, como los más avanzaos recursos de la polifonía francu-flamenca. Participó intensamente nel desenvolvimientu de la ópera veneciana. Compunxo gran cantidá de música relixosa y más de 250 madrigales. Gran parte de les sos óperes perdiéronse. Caltiénense solu trés Orfeo (1607), El regresu de Ulises y la 'Coronación de Popea (1624). Monteverdi sobresalió pola so llibertá creadora nel usu de les formes, estilos y testures antigües y nueves, del poder espresivu de l'harmonía y les disonancies y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta.
Girolamo Frescobaldi (1583-1643).
Heinrich Schütz (1585-1672).

Barrocu mediu (1650-1700)

Jean Baptiste Lully (1632-1687).
Dietrich Buxtehude (1637-1707).
Johann Pachelbel (1653-1706).
Arcangelo Corelli (1653-1713), compositor y violinista italianu, unu de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental n'Italia. Foi unu de los creadores de la forma llamada alcuerdo grosso. Compunxo tamién Sonates tantu de cámara como d'ilesia. Corelli foi unu de los primeros compositores qu'aplicó sistemáticamente los procedimientos derivaos del Sistema tonal.
Henry Purcell (1659-1695).
Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Barrocu tardíu (1700-1750)

Bach ye unu de los compositores más importantes de la música universal y el visu de la era barroca.

El barrocu na música, al contrariu d'otres cañes del arte, pervive un pocu más nel tiempu y estiéndese hasta la década de los 50 y 60 del sieglu XVIII, cuando muerren los postreros grandes esponentes de la dómina barroca: Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Doménico Scarlatti y Georg Friedrich Händel.

La última xeneración importante nacen toos ente 1668 y 1685 onde munchos d'ellos representen el cenit nacional y de la era nel país onde vivieron: Vivaldi n'Italia, Bach y Telemann n'Alemaña, Händel n'Inglaterra, Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti n'España. Anque dalgunos d'ellos non solo apéguense a la so escuela nacional y faen una síntesis y resume de toles escueles como ye'l casu de Bach, Handel y Telemann, toos nacíos n'Alemaña, anque Handel colar a Italia en 1706 pa nun volver enxamás y asitiándose n'Inglaterra en 1713 hasta la so muerte, convirtiéndose'l mayor esponente de la escuela inglesa.

Ye con esta xeneración alemana, especialmente por Bach, cuando'l mundu musical xermánicu convertir na patria musical de primer orde, superando Italia y moviendo en ser la máxima potencia musical, que durara hasta principios del sieglu XX, dende Bach hasta Schonberg y la segunda escuela de Viena.

Nesta última etapa del barrocu, qu'empieza hacia 1700-1710 cuando esta xeneración empieza a ser activa nel mundu musical de la dómina, la música adquier y avanza a una nueva dimensión ensin romper l'estilu barrocu en tolos ámbitos, dende los xéneros y formes, hasta la forma d'escuchar la música pasando polos instrumentos ya instrumentación. El barrocu musical adquier equí un arrogante maduror, apoxéu y una gran refinamientu inédita nos dos etapes anteriores que va rematar especialmente na obra de Bach y Händel, los dos grandes figures dominantes d'esti periodu.

La téunica de la polifonía y el contrapuntu entá tien una especial importancia nesta dómina, de forma más notable n'Alemaña y sobremanera en Bach, pero la homofonía adquier cada vez más puxanza ya importancia, conviviendo los dos téuniques mientres delles décades de forma al par mientres esta xeneración de compositores, dalgunos d'ellos como Bach o Handel, apoderándolos con gran maestría.

Unu de los finxos más importantes del últimu estilu del Barrocu ye'l definitivu asentamientu de la tonalidá na música occidental con una de les obres más importantes de la música universal, la clave bien temperado BWV 846-893, de Bach, una coleición en dos llibros publicaos en 1722 y 1744 que se compón de 24 preludios y fugues cada llibru nos tonos del sistema tonal, siendo una demostración del sistema tonal que va tar vixente hasta principios del sieglu XX.

Nel mesmu añu del primer llibru, 1722, de forma simultánea anque independiente, publicárase tamién el primer gran tratáu del sistema tonal: "Tratáu d'harmonía amenorgada a los sos principios naturales" de Jean Philippe Rameau, qu'anque esti tratáu ye imperfectu, utilizar de referencia hasta principios del sieglu XX.

Les formes musicales del barrocu tardíu son práuticamente les mesmes del periodu anterior, pero con pequeñes novedaes que van ser precedentes importantes y van abrir un camín de dalgunos de los xéneros más queríos del clasicismu vienés de la segunda metá d'esi sieglu: El conciertu pa tecláu y la sonata con acompañamientu ensin baxu continuu.

Tocantes a instrumentos, fáense dellos cambeos y dellos instrumentos d'etapes precedentes nun aguanten hasta'l final del barrocu y cayen en desusu muncho primero, el laud y violar la gamba, polo xeneral remplazados por otros más nuevos que nesta dómina algamen una gran puxanza téunica y de prestíu, como'l violín, la guitarra o'l violonchelu. La clave va siguir omnipresente en tola música d'esti periodu rematando la so llarga trayeutoria de los sieglos anteriores nes obres de Bach, Rameau, Händel, y Scarlatti, anque va tar en boga hasta 1770. L'órganu va siguir teniendo un pesu importante n'Alemaña, onde con Bach algama'l so más alta espresión en tola historia.

Conforme pasa'l tiempu l'estilu Barrocu, que llevaba yá enforma tiempu como l'estilu dominador de la música occidental, ye refugáu poles xeneraciones posteriores a los postreros grandes esponentes del Barrocu, que practicaren un estilu más senciellu, con apenes contrapuntu, l'estilu Galantiador, en boga dende 1730.

La nueva xeneración ilustrada, nacida a partir de 1700, refugar por complicada, recargada, por abusar del contrapuntu, por greba y antigua, y l'estilu quedara apegáu a partir de 1730 a les xeneraciones más vieyes del momentu, escastándose práuticamente ente 1741 y 1767, cola muerte de Vivaldi, Bach, Händel, Rameau y Telemann.

Clasicismu (1750-1800)

Ye l'estilu carauterizáu pola transición de la música barroca escontra una música equilibrada ente estructura y melodía. Ocupa la segunda metá del sieglu XVIII. Franz Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son trés de los sos representantes más destacaos

La orquesta y nueves formes musicales

Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), foi un músicu y compositor alemán. Ye de cutiu referíu como C. P. Y. Bach. Ta consideráu unu de los fundadores del estilu clásico y uno de los compositores más importantes del periodu galantiador, amás de ser el postreru gran maestru de la clave hasta'l sieglu XX. Carl Philipp Emanuel Bach compunxo ventidós Pasiones, dos oratorios, diecinueve sinfoníes, quince conciertos, unes doscientes obres de cámara y diverses pieces pa tecláu, cantares ya himnos.
Franz Joseph Haydn (1732-1809), compositor austriacu, una de les figures más influyentes nel desenvolvimientu de la música del clasicismu (c. 1750-1820). En 1755 trabayó pal barón Karl Josef von Fürnberg, dómina en que compunxo los sos primeros cuartetos pa cuerda. En 1759 foi nomáu direutor musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. Dende 1761 hasta la so muerte, trabayó al serviciu de los príncipes Esterhazy ―primeru Paul Anton y depués Nikolaus―, onde tuvo a la so disposición una de les meyores orquestes d'Europa.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791), compositor austriacu del periodu clásicu. Unu de los más grandes ya influyentes na historia de la música occidental. Estudió con Leopold Mozart, el so padre, conocíu violinista y compositor que trabayaba na orquesta de la corte del arzobispu de Salzburgu. Dende pequeñu foi neña maravía y un xeniu musical. Dizse que yera'l compositor perfectu, por cuenta de qu'en los sos borradores casi nun se detectaba error dalgunu. Carauterizar por el so estilu senciellu, claro y equilibráu, anque ensin fuxir la intensidá emocional. Na so enorme producción musical (más de 600 obres, a pesar de la so curtia vida) destaquen, ente munchos otros xéneros musicales, los sos conciertos pa pianu y les sos óperes.

Ludwig van Beethoven (1770-1827), compositor alemán, consideráu unu de los más grandes de la cultura occidental. Formar nun ambiente aparente pal desenvolvimientu de les sos facultaes anque descomanadamente ríxidu. Los sos primeros biltos de talentu musical fueron dirixíos de forma tiránica pola disciplina del so padre, que yera tenor na capiya de la corte. En 1789 Beethoven empezó a trabayar como músicu de la corte pa caltener a la so familia. Les sos primeres obres so tutelar del compositor alemán Christian Gottlob Neefe, especialmente la cantata aciaga pola muerte del emperador José II, amosaben yá una gran intelixencia, y pensóse na posibilidá de que se fora a Viena pa estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. Anque la muerte de Mozart en 1791 fixo qu'estos planes nun pudieren realizase, Beethoven coló a Viena nel añu 1792 pa estudiar col compositor austriacu Joseph Haydn. Beethoven foi reconocíu tantu polos sos principios clásicos como pola so llibertá d'espresión, polo que-y lo asitia como'l postreru de los clásicos y el primeru de los románticos.

Escuela de Mannheim

La escuela más importante mientres el primer clasicismu foi, ensin batura a duldes, la escuela de Mannheim. Nesta ciudá empieza a desenvolvese esta escuela orquestal. A partir de 1740 establezse una orquesta reconocida como la meyor de la dómina onde allegaron los músicos más sobresalientes d'Europa, lideraos pol compositor Johann Stamitz y sobre que'l so modelu y composición estableceríen toles orquestes clásiques del periodu.

Esta escuela contribuyó a afitar les formes clásiques y a esplorar y desenvolver los efeutos orquestales qu'hasta entós se llindaron a les obertures de les óperes. Amás estremó la orquesta en dos partes iguales que dialoguen ente sigo.

Otres escueles

La Escuela de Viena. La particularidá d'esta escuela ye l'usu de temes de calter contrastante. Tuvo como representantes a Florian Leopold Gassmann, Georg Monn y Georg Christoph Wagenseil.

La escuela de Berlín. La importancia d'esta escuela anicia en que foi'l primer llugar onde s'empecipia la téunica del desenvolvimientu. Como representante ta Carl Philipp Emmanuel Bach.

Clasicismu mediterraneu

Romanticismu (1800-1860)

Richard Wagner foi'l compositor que llevó al so apoxéu'l xéneru de la ópera

El pianu románticu

Franz Schubert (1797-1828), compositor austriacu, gran incomprendido nel so tiempu, que los sos lieder (cantares pa voz solista y pianu basaes en poemes alemanes) tán ente les obres maestres d'esti xéneru, y que los sos trabayos instrumentales son una ponte ente'l clasicismu y el romanticismu del sieglu XIX. Escribió obres pa pianu, música sinfónica, relixosa y numberoses óperes.
Félix Mendelssohn (1809-1847), compositor alemán, una de les principales figures d'empiezos del romanticismu européu del sieglu XIX. A los 9 años debutó como pianista y a los 11 años interpretó la so primer composición. Compunxo la obertura Suañu d'una nueche de branu cuando tenía 17 años y la obra que contién la famosa Marcha nupcial 17 años dempués. Tuvo como profesores al compositor y pianista checu Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. A Mendelssohn atribúyese-y l'haber redescubierto la obra de Johann Sebastián Bach, al estrenar en 1829 el so Pasión según San Mateo.
Frédéric Chopin (1810-1849), empezó a estudiar pianu a los cuatro años. Aprendió la téunica del instrumentu práuticamente de forma autodidacta, anque más tarde estudió harmonía y contrapuntu nel conservatoriu de la capital polaca. Tamién foi precoz como compositor: la so primer obra publicada data de 1817. Dende bien nuevu caltuvo estrecha rellación coles altes esferes sociales, ante quien tocaba nes sos xuntes musicales. A los 20 años d'edá dexó la so Polonia natal nun viaxe d'estudios, pero nunca tornó. La so obra carauterizar pol intimismu, la delicadeza, la facilidá melódica, y una revolucionaria téunica d'execución. El pianu foi'l so instrumentu por excelencia, y tuvo gran popularidá ya influencia nos compositores de la so dómina.
Robert Schumann (1810-1856), compositor alemán del Romanticismu. Dende neñu, yá demostraba les sos cualidaes musicales, y el so padre sofitar mientres la so formación procurándo-y un profesor de pianu. La dedicación a la so carrera musical viose atayada pola muerte del so padre, anque darréu reemprendería los sos estudios. Foi un brillosu compositor y críticu musical, lo que-y dexó afayar a Johannes Brahms cuando yera un mozu de venti años. En 1839, Robert casóse con Clara Wieck, y tuvieron ocho fíos. Finalmente, mientres los sos últimos años acentuáronse les depresiones, crisis, intentos de suicidios y periodos de reclusión. Morrió de tifus nun sanatoriu.
Franz Liszt (1811-1886), compositor austrohúngaru, pianista y profesor.
Johannes Brahms (1833-1897). Dempués d'estudiar violín y violonchelu col so padre, contrabajista del teatru de la ciudá, Brahms especializar nel pianu y empezó a componer baxu tutelar del maestru alemán Eduard Marxsen, que'l so conservador gustu musical dexó una fonda buelga nél. En 1853 empecipió una xira de conciertos como pianista acompañante del violinista húngaru Eduard Reményi. Mientres esta xira conoció al violinista, tamién húngaru, Joseph Joachim, quien lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann quedóse tan sorprendíu coles composiciones de Brahms, obres entá non editaes, qu'escribió un apasionáu artículu nuna revista de la dómina sobre'l nuevu compositor. Brahms cobró un sinceru ciñu a Schumann y la so muyer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistá y l'aliendu que recibió d'ellos apurriéron-y enerxíes pa trabayar ensin fuelgu.

Música programática

El lied

El lied ye la forma vocal menor del romanticismu más destacada. Consiste na interpretación d'un poema realizada por un cantante y pianu. La estructura xeneral ye A B A onde la primera y l'última estrofa tienen la mesma melodía. El principal compositor del lied ye Schubert, que los sos temes esenciales yeren la muerte, l'amor y la naturaleza.

Sinfonía romántica

Los nacionalismos (1850-1950)

Rusia

El nacionalismu ye una corriente empecipiada en Rusia. Mikhail Glinka famosu pola so ópera Una vida pal zar afaló a Aleksandr Dargomyzhski p'ayudar a convencer a un grupu de cinco compositor rusos a coordinar los sos trabayos basaos na cultura rusa. Más tarde fueron conocíos como El Grupu de los Cinco. La ópera de Dargomyzhski El convidáu de piedra foi la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela.

Glinka ye comúnmente recordáu como'l fundador de la música nacionalista rusa. Una vegada depuráu'l so estilu de composición en rellación colos sos estudios posteriores, espertó una gran atención tantu nel so país como nel estranxeru. Los sos operes ruses ufiertaben una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa, ente que la so música orquestal, con una instrumentación escelente, ufiertaba una combinación de lo tradicional y lo exótico.

El Grupu de los Cinco

D'esti grupu de cinco, solu dos yeren músicos profesionales, César Cui y Mili Balákirev, dambos pocu conocíos. Un terceru Aleksandr Borodin ye más conocíu pola so composición Nes estepes d'Asia Central y por Bailles polovtsianos de la so ópera Príncipe Ígor.

Otru componente d'esti grupu foi Modest Mussorgski quien introduz ritmos del folclor rusu y escales inusuales procedentes de la música de la ilesia ortodoxa, tan carauterístiques nes sos obres. Ente los sos trabayos atopamos dos obres pa pianu La nueche nel Monte Calvo y Cuadros d'una esposición, que darréu llamaron l'atención a Maurice Ravel quien fixo dos talos arreglos orquestales de dambes.

El quintu y últimu miembru del grupu foi Nikolai Rimsky-Korsakov, qu'encontó'l so trabayu n'obres dramátiques de fuercia rítmico y color orquestal. Les sos obres más improtantes fueron la ópera El gallu d'oru y la so famosa suite orquestal Scheherezade. Tamién utiliza elementos de la ilesia rusa na so obertura Gran Pascua rusa ya influencies de la música tradicional asturiana o andaluza na so Caprichu español.

Piotr Ilich Chaikovski foi otru de los compositores rusos qu'usaben un tonu y color brillosos. La so sesta sinfonía Pathetique ye bien conocida, y realizó, tamién la música de trés famosos ballets: El cascanueces, La Bella Durmiente y El llagu de los cisnes. Obres como la obertura de Marcha eslava, y Caprichu italianu alluguen definitivamente a Tchaikovsky dientro del nacionalismu. Estes obres fueron programaes tan de cutiu que se consideren ente les obres más famoses enxamás construyíes.

Bohemia

Smetana (La mio patria)
Antonín Dvořák (Dances eslaves, Sinfonía del Nuevu Mundu)

Escandinavia

Jan Sibelius (Finlandia)
Edvard Grieg (Peer Gynt).

España

Isaac Albéniz (Suite Iberia)
Enrique Granados (Goyesques).

Francia

Georges Bizet (Carmen, L'Arlésienne)

Impresionismu (1860-1910)

El Impresionismu musical ye un movimientu musical surdíu a finales del sieglu XIX y principios del XX sobremanera na música francesa, cola necesidá de los compositores de probar nueves combinaciones de instrumentos pa consiguir una mayor riqueza tímbrica. Nel Impresionismu musical dase muncha importancia a los timbres, colos que se consiguen distintos efeutos. Tamién se caracteriza porque los tiempos nun son lliniales sinón que s'executen en socesión d'impresiones. Rellacionar d'esta manera col Impresionismu pictóricu, que consiguía les imáxenes por aciu pequeñes pincelaes de color. Dos de los principales compositores d'esti movimientu son Claude Debussy y Maurice Ravel.

Gabriel Fauré
Claude Debussy
Maurice Ravel
- El Boleru de Ravel
Erik Satie
Isaac Albéniz
- Suite española y Suite ibérica
Enrique Granados
Manuel de Falla
Joaquín Rodrigo
- El Conciertu d'Aranjuez
Jesús Guridi
- El caserío.
Joaquín Turina

Música moderna y contemporánea (1910-presente)

El sieglu XX tuvo marcáu por dos grandes acontecimientos que fueron bien decisivos na historia de la música occidental, y marcaron la meyora posterior que va siguir la música hasta llegar a los nuesos díes. El primeru ye l'abandonu de la tonalidá y la total rotura de les formes y téuniques que se veníen faciendo dende los principios de la era barroca a partir de 1910, en concordia coles otres rotures totales de les otres cañes de les artes. A partir d'ende, la música occidental vuélvese bien esperimental y los compositores empeñar en topar nuevos caminos tantu nes formes, los instrumentos, los colores, la tonalidá, el ritmu pa faer una música totalmente nueva y alloñada del periodu de la práutica común de los postreros trescientos años.

El segundu gran fenómenu ye la puxanza y masificación d'un tipu de música que se desenvolvió nes ciudaes mientres el sieglu anterior en contautu colos dos grandes cañes en que s'estremaba hasta esi momentu la música (la étnica y l'académica): la música popular. Esti tipu de música, consumida pola creciente clase media urbana, va esperimentar un gran desenvolvimientu gracies a la posibilidá de grabar soníu por aciu les nueves teunoloxíes de principios del sieglu XX (lo que va dar llugar a la industria del discu) y l'apaición de medios de comunicación de mases como la radio y el cine sonoru. L'efeutu de la música popular y la industria musical que se desenvuelve en redol a ella van camudar drásticamente los vezos musicales que taben presentes dende la Edá Media.

Música modernista y contemporánea

Futurismu

El futurismu foi unu de los movimientos iniciales de vanguardia na Europa del Sieglu XX. Esta corriente artística foi fundada n'Italia pol poeta italianu Filippo Tommaso Marinetti, quien redacta'l Manifiestu Futurista, y publicar el 20 de febreru de 1909 nel diariu Le Figaro de París.

Esti movimientu buscaba la rotura coles tradiciones artístiques del pasáu y los signos convencionales de la historia del arte. Intentó emponderar la vida contemporánea, esto per mediu de dos tarrezas principales: la máquina y el movimientu. Los principales compositores futuristes fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo.

Crisis de la tonalidá y atonalismo

Los primeros antecedentes de la música europea ensin un centru tonal atópase en Franz Liszt col so Bagatella ensin tonalidá de 1885, periodu que yá se falaba d'una "crisis de la tonalidá". Esta crisis xenerar a partir del usu cada vez más frecuente d'acordes ambiguos, inflexones harmóniques menos probables, y les inflexones melódicu y rítmicu más inusuales posibles dientro de la música tonal.

A principios del sieglu XX compositores como Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinsky y Edgard Varèse, escribieron música que se describió, total o parcialmente, como atonal. La primer fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismu), conocida como "atonalidad llibre" o "cromatismu llibre", implicó un intentu consciente d'evitar l'harmonía diatónica tradicional. Les obres más importantes d'esti periodu son la ópera Wozzeck (1917-1922) d'Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) d'Arnold Schönberg.

Primitivismu

El primitivismu foi un movimientu de les artes que pretendía rescatar el folclor más arcaicu de ciertes rexones con un llinguaxe modernu. Similar al nacionalismu nel so enfotu por rescatar lo local, el primitivismu incorporó amás métriques y acentuaciones irregulares, un mayor usu de la percusión y otros timbres, escales modales, y harmonía politonal y atonal. Dientro de la música los dos xigantes d'esti movimientu fueron el rusu Ígor Stravinsky y l'húngaru Bela Bartok, anque la obra de dambos devasa en demasía la denominación "primitivista".

Microtonalismo

El microtonalismo ye la música qu'utiliza microtonos (los intervalos musicales menores qu'un semitonu). El músicu d'Estaos Xuníos Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “les notes ente les tecles del pianu”. El mexicanu Julián Carrillo (1875-1965) estrema dieciséis soníos claramente distintos ente los llanzamientos de G y A emitida pola cuarta cuerda de violín, lo que foi'l so puntu de partida pa componer una gran cantidá de música microtonal. El microtonalismo ta presente nes obres de George Enescu, Bela Bartok y Miguel Oblitas Bustamante. Dellos otros autores emplegaron tamién esta téunica. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y foi considerada d'equí p'arriba casi puramente polos músicos de Vanguardia.

Neoclasicismu

El neoclasicismu en música refier al movimientu del sieglu XX que retomó una práutica común de tradición tocantes a l'harmonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos, pero entemecida con grandes disonancies atonales y ritmos sincopados, como puntu de partida pa componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Serguéi Prokófiev, Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente mentaos nesti estilu, pero tamién el prolíficu Darius Milhaud y los sos contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.

Música electrónica y concreta

Les meyores teunolóxiques nel sieglu XX dexaron a los compositores utilizar medios electrónicos pa producir soníos. En Francia desenvolvióse la música concreta escuela que producía soníos esistentes nel mundu. Llámase concreta porque según Pierre Schaeffer, el so inventor, plantegaba que ta producida por oxetos concretos y non polos astractos que seríen los instrumentos musicales tradicionales. El primeru que dispunxo d'esos medios foi Edgar Varese, quien presentó Poème électronique nel pabellón Philips de la Esposición de Bruxeles en 1958. En 1951, Schaeffer, xunto a Pierre Henry, crearon el Grupu d'Investigación de Música Concreta en París. Llueu atraxo un gran interés, y ente los que s'averaron atopábense distintos compositores significativos como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger.

N'Alemaña sicasí la forma d'usar la teunoloxía llamóse música electrónica, que ye aquella qu'utiliza solamente soníos producíos electrónicamente. El primer conciertu tendría llugar en Darmstadt en 1951, sicasí la primer obra d'importancia sería El cantar de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956.

Iannis Xenakis ye otru compositor modernu qu'usó ordenadores y instrumentos electrónicos (incluyíu unu inventáu por él) en munches composiciones.

Música aleatoria y vanguardismu radical

Magar el modernismu en sí ye música de vanguardia, el vanguardismu dientro d'ella refierse a los movimientos más radicales y controversiales, onde'l conceutu de música llega hasta les sos llendes —si non yá los devasa— utilizando elementos como ruios, grabaciones, el sentíu del humor, el azar, la improvisación, el teatru, el absurdu, el ridículu, o la sorpresa. Dientro de los xéneros xeneralmente allugaos dientro d'esta corriente radical alcuéntrase la música aleatoria, la música electrónica en vivu, el teatru musical, la música ritual, la composición de procesos, el happening musical, o la música intuitiva, ente munches otres. Ente los compositores más trascendentales que incursionaron nestes aventures alcuéntrase John Cage n'América y Karlheinz Stockhausen n'Europa.

Micropolifonía y mases sonores

En pallabres de David Cope la micropolifonía tratar de «una simultaneidá de distintes llinies, ritmos y timbres».^[3] La téunica foi desenvuelta por György Ligeti, quien la esplicó asina: «La complexa polifonía de les voces individuales ta enmarcada nun fluxu harmónicu-musical, nel que les harmoníes nun camuden sópitamente, sinón que se van convirtiendo n'otres; una combinación interválica discernible ye gradualmente faciéndose borrosa, y de esta nubosidad ye posible sentir qu'una nueva combinación interválica ta tomando forma».

Intrínsecamente rellacionada cola micropolifonía esta la masa de soníu o masa sonoro que ye una testura musical que la so composición, en contraste con otres testures más tradicionales, «embrive la importancia de les altores musicales individuales pa preferir la testura, el timbre y la dinámica como principales formadores del xestu y l'impautu».^[4]

Minimalismu

Dellos compositores de la década de los sesenta empezaron a esplorar lo qu'agora llamamos minimalismu. La más específica definición de minimalismu refier al dominiu de los procesos en música onde los fragmentos se superponen en capes unos a otros, de cutiu repitir, pa producir la totalidá de la trama sonora. Exemplos tempranos inclúin En do (de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). La onda minimalista de compositores —Terry Riley, Philip Glass, Steve Reich, El Monte Young, John Adams y Michael Nyman, pa nomar los más importantes— deseyaben faer la música accesible pa los oyentes comunes, espresando cuestiones específiques y concretes de la forma dramática y musical, ensin despintales so la téunica, sinón más bien faciéndoles esplícites, volviendo a les tríadas mayores y menores de la música tonal, pero ensin utilizar la funcionalidad harmónica tradicional.

Música cinematográfica

Dende la llegada del cine sonoru a finales de la década de los 1920, la música cumplió un rol crucial na industria y l'arte del cine. Munchos de los grandes compositores que vivieron nesa primer dómina, tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic, incursionaron tamién nesta área. Darréu, hubo numberosos compositores que dedicaron la so carrera total o mayormente a trabayar al traviés del cine. Dientro de los grandes compositores de música de cine atópense:

Max Steiner con: The Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away (1944), King Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the Wind (1939).
Erich Wolfgang Korngold con: The Adventures of Robin Hood.
Alfred Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told.
Bernard Herrmann con: North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver.
Ennio Morricone con: The Good, The Bad And The Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The Untouchables (1987), y Cinema Paradiso.
Jerry Goldsmith con: Planet of the Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist.
John Williams con: los dos triloxíes de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T. the Extra-Terrestial, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter ente bien de otres.

Otros de los grandes compositores, especialmente del postreru cuartu de sieglu d'equí p'arriba, fueron Nino Rota, Howard Shore, Alan Silvestri, Danny Elfman, Hans Zimmer y Henry Mancini.

Poliestilismo

Poliestilismo (tamién llamáu "eclecticismu") ye l'usu de múltiples estilos o téuniques musicales, y ye consideráu una carauterística posmoderna qu'empieza a finales del sieglu XX y acentúase nel sieglu XXI.

Compositores poliestilísticos son, por casu, Llera Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Sofia Gubaidulina, Hans Werner Henze, George Rochberg, Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke, Dmitri Silnitsky, Valentín Silvestrov, Santiago Sosa Rolón, Ezequiel Viñao, Frank Zappa o John Zorn.

Espectralismo

El espectralismo ye un xéneru musical aniciáu en Francia na década de los años sesenta|sesenta alredor d'un grupu de compositores arrexuntaos en redol al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt). La música espectral, nun sentíu restrictivu, básase principalmente nel descubrimientu de la naturaleza del timbre musical y na descomposición espectral del soníu musical, nel orixe de la perceición del timbre.

El movimientu foise enanchando ya inflúi nes más importantes enclinos contemporáneos de composición y en munchos de los compositores más nuevos: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson nel Reinu Xuníu: Marcu Stroppa n'Italia; y Joshua Fineberg, en EE. XX., por citar dalgunos. Y como nel casu del impresionismu y munchos otros estilos musicales, aquel compositores que la so música considérase espectral nun acepten xeneralmente tal denominación.

Nueva simplicidá

La Nueva Simplicidá foi un enclín estilísticu surdida ente dalgunos de los componentes de la xeneración más nueva de compositores alemanes d'empiezos de los ochenta del sieglu XX, y que supunxo una reacción non solamente contra la vanguardia musical europea de les décades de los cincuenta y sesenta, sinón tamién contra la más ampliu enclín escontra la oxetividá d'empiezos de sieglu.

Polo xeneral, esti compositores defendieron una inmediatez ente l'impulsu creativu y la so resultancia musical (en contraste cola ellaborada planificación precompositiva carauterística del vanguardismu), col enfotu de crear una comunicación más fácil coles audiencies. En dellos casos, ello significó una vuelta al llinguaxe tonal del sieglu XIX y n'otros significó trabayar con testures más simples o l'empléu d'harmoníes triádicas en contestos non tonales. D'ente los compositores identificaos d'una forma más cercana con esti movimientu, solamente Wolfgang Rihm consiguió una reputación significativa fuera d'Alemaña.

Llibre improvisación

La improvisación llibre ye música improvisada ensin regles previes establecíes, secuencies d'acordes o melodíes primeramente alcordaes. Dacuando los músicos realicen un esfuerciu activu pa evitar referenciar a xéneros musicales reconocibles. La improvisación llibre, como estilu de música, desenvolver n'Europa y EE. XX. na metá y fines de la década de 1960 en respuesta o inspiráu pol movimientu del free jazz según pola música clásica contemporánea. Ente los artistes más reconocíos dientro d'esti estilu tán los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupu improvisacional británicu AMM.

Nueva Complexidá

La Nueva Complexidá ye una corriente dientro del escenariu contemporaneu surdida na década de 1980 nel Reinu Xuníu que puede definir lo "complexu" como; "de múltiples capes d'interacción de los procesos evolutivos qu'asoceden simultáneamente en toles dimensiones del material musical". Ye bien astracta, disonante y atonal, carauterizada pol usu de téuniques que lleven hasta la llende les posibilidaes de la escritura musical. Ente los compositores más importantes atópense Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench, James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.

Jazz

Jazz de Nueva Orleans

Anque nel periodu que va dende'l final de la Guerra de Secesión hasta'l fin del sieglu XIX, yá esistíen delles bandes que tocaben daqué paecíu a un jazz rudimentariu, como les de los cornetistas Sam Thomas, Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente tocaba nel Kelly's Stables de Nueva Orleans,^[5] suel considerase a Buddy Bolden como la primera gran figura y l'aniciador del primer estilu definíu de jazz.^{[nota 1]}

Convencionalmente, denominar «estilu Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. Entá nun s'esprendió de les influencies del minstrel y contién toles carauterístiques propies del hot. Les improvisaciones, nel sentíu que güei les conocemos, nun esistíen; ello ye que los solistes ellaboraben llargues variaciones melódiques sobre la tema principal (usualmente integráu por dos cantares distintos), en tempos bien lentos o medios, nunca rápidos. Les bandes yeren ambulantes y solíen preferir siempres interpretar espirituales, ragtimes, marches y cantares d'orixe afrocubano. El pesu sonoro y conceptual de la música recayía na corneta, que yera quien desenvolvía les melodíes, sofitada pol trombón y el clarinete, qu'ellaboraben variaciones improvisaes sobre la melodía base. Ye lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidá del jazz de Nueva Orleans».^[6] El restu de los instrumentos (usualmente banjo, tuba, caxa y bombu, anque pasu ente pasu fueron introduciéndose'l contrabaxu, el pianu y la batería) teníen una función puramente rítmica. N'ocasiones usaba'l violín como complementu na seición de metales.

Ye una escuela de bandes célebres, como la de Johnny Schenk (1893), la de John Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard (1900-1909), y otres de sonadía histórica como la Onward Brass Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompetista Papa Celestin, ésta anterior al cambéu de sieglu. Tamién taben les bandes del cornetista Papa Mutt Carey, que se reputa como'l introductor de la sordina de «desatrancador» (plunger) y el so típicu efeutu de wah-wah, y que tenía a Sidney Bechet nel clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la Orixinal Creole Orchestra, etc.

Dixieland

A pocu d'empezar el sieglu XX, los blancos y criollos probes del Delta del Mississippi empezaron a interesase pol Hot y la so influencia produció delles variaciones na forma de tocar de les bandes de Nueva Orleans: desenvolviéronse más les improvisaciones, entaináronse los tempos y buscáronse estructures rítmiques menos "africanes".^[7] El nuevu estilu yera "menos espresivu, pero con mayores recursos téunicos", con melodíes más pulíes y harmoníes "llimpies".^[8] Amás, introduciéronse'l pianu y el saxofón, y desenvolviéronse téuniques instrumentales nueves, como l'estilu tailgate de los trombonistas.

Les sos principales figures fueron, nuna primer dómina, la corneta Papa Jack Laine, que se reputa como'l "padre del dixieland";^[9] el trompetista Nick La Rocca y les sos Orixinal Jass; los Luisiana Five d'Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. Na década de los 40, el Dixieland esfrutó d'un poderosu revival, llogrando ésitu mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y entá anguaño esisten bandes con nomes tan rancios como Tuxedo Jass Band o Onward Jazz Band.

El jazz de Chicago y New York

El zarru poles autoridaes de Nueva Orleans del barriu de Storyville en 1917, supunxo un importante contratiempu pa la mayor parte de los músicos de jazz de la zona, pos nesti distritu d'ociu concentrábense casi tolos locales de música en vivu.^[10] Esti fechu empecipió la gran migración de los músicos de jazz escontra les ciudaes del norte, y especialmente escontra Chicago, que gociaba daquella d'una solmenada vida nocherniega,^[11] con una poderosa escena de blues y ragtime, dende una década antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton o Johnny Dodds, ente otros munchos, treslladar a la ciudá del vientu» y grabaron ellí los sos primeros discos, a empiezos de la década de 1920.

En Chicago desenvolvióse un estilu más crudu y dinámicu, con un llinguaxe curtio y lacónico, rozáu d'adornos, económicu en recursos, bañáu «nuna atmósfera exasperada, d'un dinamismu encaloráu, d'una ríxida tensión hot».^[12] El soníu perdió plasticidad al afaese la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonase la desincronización propia de la Rítmica en cruz rítmica africana pero, otra manera, desenvolvióse descomanadamente'l conceutu d'improvisación individual y les melodíes paraleles, dexando los pasaxes polifónicos pal ciclu final (sock chorus). El material temático tendió escontra un abandonu de los rags y stomps y la so sustitución por blues y cantares d'influencia europea, con arreglos musicales escritos. Ello ye que esta dómina ye la de la esplosión del llamáu «blues clásicu», con artistes como Bessie Smith, que s'arrodiaben de bandes de jazz en sustitución del tradicional acompañamientu de guitarra o pianu namái.

L'estilu de Chicago desenvolvióse de resultes de la conxunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de mozos estudiantes y aficionaos blancos qu'asonsañaben a aquellos,^[13] y supunxo dellos cambeos importantes inclusive na instrumentación típica, al empezar a asitiase'l saxofón. Un bon númberu de músicos de gran relevancia son representativos del estilu: Erskine Tate, Eddie Condon, Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como figura más relevante, Bix Beiderbecke.

Dende bien ceo, el jazz introducióse tamién en Nueva York, primeramente al traviés de los pianistes que tocaben ragtime y boogie woogie nos honky tonks, como James P. Johnson, Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts, pero tamién gracies a bandes, como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students", dirixida por Will Dixon y Will Marion Cook, en dómina tan temprana como 1905.^[14] Dellos autores destaquen tamién el papel que músicos como Nick La Rocca o'l batería Louis Mitchell, orixinariu de Filadelfia, tuvieron na estensión del jazz na ciudá.^[15] Sicasí, el verdaderu estilu de Nueva York, o High Brow, como se-y denominó nel so momentu, empezó cola orquesta de Fletcher Henderson, na que tocaron toles grandes figures del jazz de los años 1920. Sería precisamente Henderson quien meyor representó la nueva forma de tocar un tipu de jazz estilizado, menos alcontráu y más universal, «realizáu sobre la base d'una fórmula de transaición que finca n'orquestaciones preparaes de mano y escrites pa conxuntos que'l so númberu de instrumentos nun faía posible la polifonía hot».^[16] Pero la escuela de Nueva York dio un nome de mayor proyeición entá, Duke Ellington, procedente de Washington D. C., qu'algamó gran fama coles sos sesiones nel Cotton Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilu fueron Red Nichols y les sos "Five Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman, según la banda del pianista Sam Wooding o la del panamiegu de nacencia, Luis Russell.

L'estilu de Nueva York, col impulsu que supunxo a les big bands, foi la corriente principal de desenvolvimientu del jazz a finales de la década de 1920, desaguando nel swing.

La era del swing

Nel postreru terciu de la década de 1920, los estilos de two beat escosaren les sos posibilidaes de desenvolvimientu, ente qu'en Nueva York taba desenvolviéndose una nueva forma de faer jazz, que se consolidó sobremanera como resultáu de la migración masiva de músicos de Chicago escontra la "ciudá de los rascacielos".^[17] Les bandes de Fletcher Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron les que marcaron l'aldu d'esti nuevu estilu que la so principal carauterística foi la formación de grandes orquestes, les big bands. Amás, apurrieron elementos novedosos respectu de la tradición hot: la conversión de los ritmos de dos golpes (two beat) a ritmos regulares de cuatro acentos rítmicos por compás; l'usu, como recursu de tensión, del riff, frase curtia repitida con crescendo final; la predominancia de pasaxes melódicos interpretaos straight, esto ye, conforme a partitura; la estensión del fenómenu del "solista"; la revalorización del blues; etc. Esti procesu nun se desenvolvió puramente en Nueva York, yá que n'otros llugares, como Kansas City tuvo llugar una evolución similar en big bands como les de Bennie Moten o Count Basie.

L'estilu toma'l so nome d'una de les carauterístiques del nuevu jazz: el swing como elementu rítmicu. Trátase d'una operación comercial de los axentes de Benny Goodman, que dirixía una de les bandes más populares de la dómina, al designalo como "Rei del swing". Esto llevó al públicu, pero tamién a munchos críticos, a creer que "swing" yera'l tipu de música que faía esta banda, consolidándose'l nome.^[18] Dalgunes de les bandes de la dómina algamaron un enorme ésitu popular y de ventes, xenerando un subestilo comercial que, a la llarga, acabaría por lastrar les posibilidaes de desenvolvimientu del swing: Artie Shaw, Harry James, Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sicasí, non toes derivaron escontra esi camín, y dalgunes d'elles establecieron les bases de los grandes cambeos conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman, Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann. En dellos casos, desenvolviéronse escenes rexonales con gran proyeición y personalidá estremada, como ye'l casu del western swing (que fundió músiques d'orixe folclóricu) y, n'Europa, del llamáu jazz manouche, impulsáu por Django Reinhardt.

El swing foi, amás, un estilu ricu en grandes improvisadores, munchos de los cualos establecieron verdaderos cánones nos sos respeutivos instrumentos: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa, Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart, Harry Edison y munchos otros. Foi tamién, paralelamente, un estilu que favoreció la proyeición de los cantantes, especialmente de les cantantes femenines: Ella Fitzgerald, Ivy Anderson (que permaneció casi doce años na banda de Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy, Anita O'Day, Lena Horne o Peggy Lee. Dalgunos d'estos instrumentistes fueron determinantes nel procesu d'evolución que llevó dende'l swing al be bop y al cool, destacando ente ellos el trompetista Roy Eldridge y el saxofonista Lester Young.

Bebop

Tres la era del swing, el jazz yera conocíu y apreciáu en tol mundu, reconocíu inclusive por compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Sicasí, el términu swing gociaba de mala reputación ente los músicos: considerábase que namái los profesionales de menor talentu dedicar a esti tipu de música comercial, de cuenta que los músicos más "serios" —como Duke Ellington— taben alloñándose del estilu. El cayente de les big bands de swing dio llugar a un nuevu tipu de música radicalmente distinta, que los sos úniques traces de mancomún consistíen nuna instrumentación similar y nel interés pola improvisación.

Los músicos bebop poníen l'acentu nel papel del solista, que'l so papel yá nun yera'l de entertainer de dómines pasaes, sinón un artista creador al serviciu namái de la so propia música. La síncopa carauterística del swing quedaba destinada a favorecer la interpretación de les melodíes; la seición rítmica simplificábase, apostrándola namái al contrabaxu —que crecía n'importancia— y a la batería,^{[nota 2]} —que dexaba a un llau el so antiguu papel de pixín metrónomu—, amontando con ello la llibertá de baxistes y bateríes; introduciéronse disonancies, polirritmos, nueves paletes tonales y fraseos más irregulares; abandonóse la melodía en favor de la improvisación, y el formatu de big band pol de combu, formáu por bien pocos músicos; y adoptóse, inclusive un look carauterísticu nel que nun podía faltar sombreru, gafes de sol y pería.

La nacencia del estilu tuvo llugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Thelonious Monk y Kenny Clarke axuntar nel Minton's Playhouse de Nueva York pa una serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie foi unu de los líderes del movimientu, con un estilu trompetístico que resumía perfectamente les carauterístiques de la nueva música y una serie de temes qu'entraron a formar parte aína del repertoriu básicu de los músicos bop, como "A Night In Tunisia" o "Salt Peanuts". Charlie Parker foi l'otru gran padre del bebop introduciendo un nuevu llinguaxe d'improvisación, estendiendo l'aspeutu melódicu y el rangu rítmicu del jazz hasta esi momentu, y con un estilu emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como "Yardbird Suite", "Ornithology", "Donna Lee", "Billie's Bounce" o "Anthropology", ente otros munchos.

Otros músicos d'importancia dientro del estilu fueron los saxofonistas Dexter Gordon, quien afixo l'estilu de Parker col altu al saxo tenor, y Sonny Stitt; el trompetista Fats Navarro; los trombonistas J. J. Johnson —quien afixo'l llinguaxe bop al trombón—, Benny Green o Kai Winding; los pianistes Bud Powell, Thelonious Monk, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols o Tommy Flanagan; los baxistes Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateríes Kenny Clarke o Max Roach; o la cantante Sarah Vaughan. Nel campu de les big bands, dalgunes d'elles, como les de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel Hampton o Stan Kenton, supieron afaer la so sonoridá a les nueves esixencies, y otres, como la d'Earl Hines establecieron pontes ente'l vieyu y el nuevu soníu. Namái dalgunes llograron convertise en verdaderes big bands de be-bop, como ye'l casu de les orquestes de Boyd Raeburn, Billy Eckstine y Dizzy Gillespie.

Cool jazz

La nacencia formal del movimientu cool tuvo llugar en 1948 cola publicación del álbum Birth of the Cool de Miles Davis, tou un manifiestu autodefinitorio y una de les grabaciones más influyentes de la historia. El nuevu estilu derivábase direutamente del bebop, pero resultaba una música más cerebral, que tenía como principal oxetivu l'establecimientu d'una atmósfera "aselu" y "meditativa".^{[nota 3]} El cool jazz resultó particularmente popular ente músicos blancos como Lennie Tristano, en parte pol so alloñamientu de los raigaños africanos del jazz, pero tamién atopó un buecu ente les preferencies de músicos negros que taben pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel más activu y seriu na busca de la so identidá musical.

Miles Davis, quien empezara la so carrera con Charlie Parker, dio entamu al movimientu con Birth of the Cool (1948), el primeru d'una serie d'álbumes —Walkin (1954), Miles (1955), Cookin',Relaxing, Working o Steaming, toos de (1956)— que sentaben les bases del estilu. The Modern Jazz Quartet —orixinalmente la seición rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke— publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), y Django (1956), onde presentaben les sos elegantes composiciones, na llende ente lo barrocu y lo jazzístico. Gunther Schuller foi l'aniciador oficial del third stream, una corriente qu'establecía una ponte ente la música clásica y el jazz, que tien como exemplu paradigmáticu'l so Jazz Abstractions (1959), y que cunta tamién ente los sos principales representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produció Gil Evans and Ten (1957), Out of the Cool (1959), o Into The Hot (1961), Bill Evans —xunto a Scott LaFaro y Paul Motian— introdució un nuevu soníu nel tríu de jazz influyíu pola música clásica europea, y George Russell sobresalió como intérprete de temes modales. Otres figures destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la cantante Betty Carter.

West Coast jazz

Nesa mesma dómina, na Costa Oeste, la evolución del jazz desenvolver por caminos menos influyíos polos músicos neoyorquinos de bebop, direutamente herederos de Lester Young y de la evolución que tuvieren big bands como les de Woody Herman, Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevu estilu, qu'acabaría conformándose como la llinia principal de desenvolvimientu del cool, foi impulsáu especialmente por músicos como Howard Rumsey, Shorty Rogers o Shelly Manne, y xeneró obres que tuvieron una enorme repercusión comercial, como ye'l casu de Time Out, de Dave Brubeck y Paul Desmond, que se convirtió nel primer discu de jazz en vender más d'un millón de copies, gracies a la tema "Take Five".^[19] Tamién llogró un importante ésitu comercial Stan Getz, otru de los líderes del movimientu cool, que venía de les orquestes de Stan Kenton, Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría popularizando la bossa nova, colos sos discos West Coast Jazz, Early Autumn (1948) y Quartets (1950), ente que Llei Konitz ye consideráu por dellos críticos como la quintaesencia del músicu cool. Gerry Mulligan, otru de los principales representantes d'esta corriente, editó Mulligan Plays Mulligan (1951), Gerry Mulligan Quartet (1952), y Mulligan Quartet (1952); Art Pepper grabó Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy Giuffre llanzó Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958); Chet Baker publicó Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954); Chico Hamilton grabó Spectacular (1955), Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, a lo último, destacó por un soníu llimpiu y tranquil —xustu l'antítesis de Charlie Christian— qu'antemanaba la llegada d'un tipu de jazz más nidiu y relaxáu.

Hard bop

Como reacción ante'l intelectualismo del bebop, los músicos del hard bop reivindicaron la torna del jazz a los sos oríxenes, con especial acentu na enerxía y l'espontaneidá de la música. L'elementu rítmicu quedaba reforzáu, y los solos, derivaos del llinguaxe de los músicos bebop, adquirieron más fuercia y vitalidá, conformando una música agresiva ya intensa. Ello ye que l'axetivu "hard" (duru) tien nesta espresión la connotación de "intensu".^[20] Tuvo especial incidencia ente los músicos de la Mariña Este, y ta especialmente venceyáu a los músicos negros de les ciudaes de los Grandes Llagos, como Chicago o Detroit. A ellos, "gustáben-yos les improvisaciones a plenu pulmón, los soníos templaos, les frases d'ángulos puros, los ritmos esplosivos".^[21] Pa munchos autores, el hard bop foi una relectura del bebop "en pro d'una vía que s'abrir a la prosecución d'una tradición ininterrumpida na que los raigaños más fondos siguíen teniendo un pesu específicu importante".^[22]

Max Roach foi unu de los aniciadores del movimientu, xunto a Art Blakey o Sonny Rollins. Destacaron coles mesmes los saxofonistas Cannonball Adderley, Phil Woods, Tina Brooks, Hank Mobley, Joe Henderson, Pepper Adams, Benny Golson o Jackie McLean; los trompetistas Woody Shaw, Llei Morgan, Freddie Hubbard, Donald Byrd, Blue Mitchell, Art Farmer o Clark Terry; los pianistes Mal Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan o Duke Pearson; la vocalista Abbey Lincoln; el guitarrista Kenny Burrell; los contrabajistas Reginald Workman, Paul Chambers y Charles Mingus; la batería Pete La Roca; o les big bands de Thad Jones o Maynard Ferguson.

Soul jazz y Funky jazz

Íntimamente rellacionáu col hard bop, desenvolvióse un estilu de jazz, quiciabes más específicamente una forma de tocar jazz, basada nel usu d'estructures blues en tempo lentu o mediu, con un "beat" firme y sosteníu, con emoción interpretativa, que se dio en llamar funky o, más tarde, soul jazz.^[23]^[24] Un subxéneru qu'exhibía al Hammond B3 y a los sos pioneros (Wild Bill Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistes, y que fundía tamién los sos raigaños nos trabayos de músicos como Horace Silver, Junior Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o'l cantante y pianista Ray Charles.

Otres figures destacables del xéneru fueron los organistes Brother Jack McDuff, Shirley Scott, Charles Earland, Larry Young o Richard "Groove" Holmes; los guitarristes Wes Montgomery, Grant Green o George Benson; o los saxofonistas Stanley Turrentine, Willis "Gator" Jackson, Eddie "Lockjaw" Davis, David "Fathead" Newman, Gene Ammons, Houston Person, Jimmy Forrest, King Curtis, Rede Holloway, Eddie Harris y Hank Crawford. ^[25]

Free jazz

El bop evolucionó bien rápido mientres la década de los cincuenta y dellos músicos (George Russell o Charles Mingus ente ellos) desenvolvieron, a partir de los conceutos d'intuición y digresión qu'anunciara la música de Lennie Tristano, formulaciones similares a les que yá se dieron na música clásica nos años venti, cola irrupción, por casu, de l'atonalidad nel jazz de los años sesenta. Ta xeneralmente aceptáu pola crítica que, al marxe de los antecedentes yá citaos, el free jazz toma carta de naturaleza en 1960, cola publicación del discu homónimu d'Ornette Coleman y el so doble cuartetu, que supón una revolución estilística nel jazz, pero "non solamente eso, sinón una puesta en crisis, una relectura y una superación virtual de tolo que fuera'l jazz, cuestionando los fundamentos socioculturales tanto como'l so desenvolvimientu históricu".^[26] Coleman había yá editáu enantes dellos discos qu'antemanaben esta esplosión, como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music, dambos para Atlantic Records.^[27]

El free jazz prescindió d'elementos hasta entós esenciales nel jazz, como'l swing, el fraseo o la entonación, abrir amás a influencies de músiques del mundu y politizándose de forma bien ostensible.^[28] Nos primeres años sesenta asistir a una, aparentemente, irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibió una ingente cantidá de refugos resumibles nuna sola frase: «Esto nun ye música». Crítiques que, per otra parte, provinieron non solo del públicu o de periodistes especializaos, sinón de músicos de jazz, como Roy Eldridge o Quincy Jones.^[29] A mediaos de la década, práuticamente tolos músicos nuevos de jazz taben influyíos pol "free". Cecil Taylor, Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales aniciadores d'esta llinia, pero a ellos sumáronse Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giuffre, Eddie Gómez, Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof, John Surman, ente otros. A mediaos de la década, el free jazz convirtiérase nuna manera d'espresión ricamente articulada que tomaba toles temátiques y comandaba toles víes de desenvolvimientu del jazz. Sicasí, a partir de 1967 empezó a apreciase una clara recesión del favor del públicu respectu del free jazz.^[30]

Post-bop

Un ciertu númberu de músicos de bop desenvolvieren conceutos d'improvisación más avanzaos a finales de los años 1950, realizando un "jazz modal" direutamente impulsáu por figures como Miles Davis o, bien especialmente, John Coltrane yá a empiezos de la década de 1960. Los sos "sábanes de soníu", según bautizó'l críticu Ira Gitler al soníu del cuartetu del saxofonista,^[31] abrieron el camín a un estilu que se dio en llamar post-bop. Ésti adoptó a les esperiencies hard bop un bon númberu de les innovaciones que traxera'l free jazz, convirtiéndose na llinia de desenvolvimientu principal (mainstream) del jazz modernu, filo conductor hasta llegar al neo bop o "neo-tradicionalismu" de los años 1980, encabezáu por Wynton Marsalis. Salvo esceiciones, como Bill Evans, el sellu discográficu Blue Note recoyó a los principales músicos del estilu: Wayne Shorter, McCoy Tyner, Herbie Hancock o Llei Morgan.

Jazz rock y jazz fusión

El llanzamientu en 1970 de Bitches Brew, un álbum de Miles Davis que cuntaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter o John McLaughlin, ente otros, supunxo una nueva revolución nel soníu del jazz, introduciendo una instrumentación y unos esquemes rítmicos más cercanos al rock y marcando l'entamu d'un nuevu xéneru que recibiría darréu la denominación de jazz fusion. La influencia de los grupos de rock que taben esperimentando col jazz na dómina (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears, Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre toos ellos, les distintes formaciones de Frank Zappa), terminó de perfilar un xéneru que daría llugar darréu a otros munchos subestilos, siendo particularmente evidente n'aspeutos como la instrumentación de les nueves bandes de jazz rock —que reemplazaron el contrabaxu pol baxu llétricu y onde la guitarra o'l órganu abandonaben la seición rítmica p'asitiase como instrumentos solistes de plenu derechu— o na mayor importancia de los grupos al respeutive de los sos miembros, otra carauterística heredada del mundu del rock.

Unu de los primeros representantes de la nueva corriente del jazz rock foi Gary Burton, quien, cola ayuda de Steve Swallow, Larry Coryell y Roy Haynes, empezara a esperimentar con rítmos de rock en The Time Machine (1966), ya introduxera elementos country en Tennessee Firebird, editáu esi mesmu añu. Tony Williams, quien se fixera famosu nel quintetu de Miles Davis, yá editara sol so nome Life Time (1964) y Spring (1965) antes de poner en marcha la so Lifetime, una banda que cuntaba orixinalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría n'unu de los grupos más relevantes del xéneru. Herbie Hancock nun tardó n'alzase como unu de los máximos representantes del xéneru a la cabeza del so grupu The Headhunters —una banda que, inspirada nos ritmos funky-sicodélicos de Sly Stone, llogró'l mayor ésitu de ventes^{[ensin referencies]} de la historia del jazz col so álbum homónimu editáu en 1973—, ente que Chick Corea fixo lo propio colos sos Return To Forever, orixinalmente con Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto Moreira. Keith Jarrett publicó Gary Burton & Keith Jarrett en 1970, y fixo incursiones nel latin jazz en 'Expectations (1971), ente que McCoy Tyner collaboró con músicos como Bennie Maupin, Bobby Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron Carter en Expansions (1968), Cosmos o Extensions, dambos de 1970. Dende l'área del free jazz, músicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael Mantler o Paul Motian atopábense ellaborando una música complexa y personal, con raigaños bien diversos ya influencies bien heterogénas.

Larry Coryell foi otru de los pioneros del jazz rock, cola so participación nel álbum de 1966 Out of Sight And Sound, del grupu Free Spirits. L'álbum marcó l'entamu d'una serie de grabaciones sol so nome que remataríen en Introducing The Eleventh House (1974), primer discu d'una banda —The Eleventh House— que s'asitiaría ente les más famoses de los grupos de jazz rock de la década de 1970. Weather Report, formáu orixinalmente por Joe Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso Mouzon non yá convirtióse nel grupu más importante del movimientu. La banda llogró un considerable ésitu dende los sos entamos, pero la llegada del baxista Jaco Pastorius en 1976 supunxo un nuevu emburrie pa l'agrupación, que con álbumes como Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) algamó un notable ésitu comercial. John McLaughlin recoyó'l testigu del revival del blues que tuviera llugar nel Reinu Xuníu con grupos como The Rolling Stones o Cream, pero n'editando un primer álbum sol so nome (Extrapolation, 1969) con John Surman y Tony Oxley, foi convocáu por Miles Davis pa la grabación de Bitches Brew. El so My Goal's Beyond, de 1971 amuesa yá abiertamente la pasión del músicu pola música hindú, un interés que va desenvolver cola Mahavishnu Orchestra a lo llargo de la década n'álbumes como The Inner Mountain Flame (1971) o Birds of Fire (1972), y, especialmente con Shakti, una banda que cuntaba cola participación de músicos hindús.

El batería y pianista Jack DeJohnette ye otra figura clave del movimientu, con una serie d'álbumes —Have You Ever Heard (1970), Collect (1974), Untitled (1977)...— colos que quixo efeutuar una nueva llectura de los clixés del jazz rock y nos que participaron músicos como John Abercrombie o David Murray. Gary Bartz debutara con Llibra (1967), un álbum nel qu'amosaba'l so estilu guañáu na tradición del bebop y les sos cualidaes como compositor, pero en reemplazando a Wayne Shorter nel grupu de Miles Davis, formó los sos "NTU Troop" en 1970, pa publicar un discu (Harlem Bush Music - Taifa, de 1970) nel que presentaba una música enérxica, con elementos del soul, del funk, del jazz y del rock. Billy Cobham —que participara en Dreams xunto a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie, y que tamién pasara de volao pol grupu de Miles Davis— editó Spectrum y Crosswinds en 1973, y Total Eclís en 1974, toos ellos álbumes importantes na historia del subxéneru. John Abercrombie debutó discográficamente en 1974 con Timeless, con Jack DeJohnette y Jan Hammer pa siguir editando álbumes na mesma llinia con músicos como Marc Johnson, Peter Erskine, o Dave Holland. Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 The Brecker Brothers, pa editar una música de gran complexidá a mediu camín ente'l hard bop y el funky antes d'entamar les sos respeutives carreres en solitariu.

Oregon publicó en 1972 un primer álbum —Music Of Another Present Yera— qu'amosaba una sofisticada combinación de jazz, música clásica, improvisación, complexidá compositiva y elementos étnicos. Lonnie Liston Smith editó en 1973 el so Astral Travelling, primer discu d'una banda —The Cosmic Echoes— que llueu derivaría escontra'l funky soul con álbumes como Expansions (1974). Steps Ahead, un supergrupu de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publicó'l so primer trabayu —Step By Step— en 1980, el mesmu añu que Ronald Shannon Jackson publicó Eye On You col so grupu Decoding Society; o que Joseph Bowie, hermanu de Lester, publicó "Defunkt" primer álbum del so banda homónima.

Jean Luc Ponty foi'l responsable de llevar el violín a la era de la electrónica, dende l'empiezu de la so carrera al llau de Frank Zappa en fecha tan temprana como 1968, pasando poles sos collaboraciones con John McLaughlin y rematando na so carrera en solitariu con álbumes como Upon The Wings Of Music, de 1975. El baxista y violonchelista Ron Carter publicara Uptown Conversation (1969) col contrabaxu como protagonista, antes d'editar Piccolo (1977), un álbum nel qu'emplegaba'l baxu piccolo, un híbridu ente'l contrabaxu y el cello. El virtuosu checu Miroslav Vitous destacó tamién nel contrabaxu n'álbumes como Infinite Search (1969), o Purple (1970), pero foi Stanley Clarke l'encargáu de poner el baxu llétricu nel puntu de mira de los aficionaos, con Stanley Clarke (1974) y School Days (1976). Jaco Pastorius foi, sicasí'l gran revolucionariu d'esi instrumentu, tantu nes sos tempranes collaboraciones con Pat Metheny (Bright Size Life, 1976) o Weather Report (Heavy Weather, 1977) como, sobremanera, col so debú en solitariu que, llanzáu en 1976 col títulu de Jaco Pastorius, foi'l discu que, non yá popularizó'l so fretless, sinón que lo asitió como unu de los instrumentos más espresivos del jazz fusión. Destaca igualmente, nuna llinia bien funky, el baxista Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper, 1983). Otres figures importantes, dientro d'un estilu de fusión que provién del free jazz ya incorpora elementos de la música third stream, fueron el contrabajista David Tostaren (Color Pool, 1975), Collin Walcott (percusionista d'Oregon y unu de los músicos más innovadores nel so instrumentu), el saxofonista John Klemmer (Touch, 1975), los pianistes Art Lande (Rede Lanta, 1973), y Steve Kuhn (Ecstasy, 1974), y el baxista Steve Swallow (Swallow, 1991).

La guitarra llétrica algamara gracies a la influencia del rock una popularidá ensin precedentes, que nun tardó en trate reflexada nel mundu del jazz fusión cola apaición d'un bon númberu de músicos, que la víen como'l instrumentu dominante na escena del jazz, tal que el saxofón haber sío en dómines anteriores. Sonny Sharrock (Black Woman, 1969; Monkie-Pockie-Boo, 1970) o James Blood Ulmer (Revealing, 1977) atopar ente los primeros representantes d'esta corriente, al igual que Ralph Towner (Diary, 1973), el guitarrista de la banda Oregon. Pat Metheny publicara en 1976 el so Bright Size Life con Jaco Pastorius y Bob Moses, un discu que tenía a la guitarra llétrica como principal protagonista pero que, tamién, introducía'l baxu llétricu nel soníu del jazz, y amosaba l'estilu naturalista y orixinal, típicamente "blancu", que Metheny desenvolvería en posteriores álbumes yá cola so banda Pat Metheny Group (Group 1978; American Garage, 1979). El xaponés Kazumi Watanabe grabó una serie d'afamaos discos, que s'empecipió con Endless Way (1975), ente que John Scofield, que collaborara con Billy Cobham y Charles Mingus, editó'l so primer trabayu en solitariu en 1977, col títulu East Meets West. El virtuosu Al DiMeola, publicó tamién los sos primeros trabayos a mediaos de la década (Land of the Midnight Sun, 1976; Elegant Gipsy, 1977), al igual que Steve Tibbetts (Steve Tibbets, 1976; Yr, 1980), Steve Khan (Tightrope, 1977; The Blue Man, 1978) y Mike Stern, qu'asitiaría la so carrera a empiezos de la década siguiente, al llau de Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983).

Nel ámbitu européu destacaron los británicos Neil Ardley, Mike Westbrook, Mike Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith Tippett, Elton Dean, Basil Kirchin o'l grupu Nucleus; los noruegos Jan Garbarek y Terje Rypdal; el danés Niels-Henning Orsted-Pedersen; los alemanes Wolfgang Dauner, Joachim Kühn y Eberhard Weber; l'italianu Enrico Rava; el polacu Michal Urbaniak; o'l rusu Serguéi Kuriokhin.

Jazz llatín y jazz afrocubano

Nos primeros tiempos del jazz yá se produció una temprana incorporación d'elementos llatinos a la música hot. Ello ye que los ritmos de habanera, calinda, contradanza o fandangu yeren avezaos na música de Nueva Orleans.^[32] La presencia d'elementos llatinos caltener nel jazz de los años 20 y 30, anque ensin la intensidá necesaria pa xestar una verdadera fusión. Sicasí, a metá de los años 1940, la influencia cubana sobre'l bop xeneró un estilu de fusión que'l so meyor esponente fueron la big band de Machucu, y los trabayos de Dizzy Gillespie, qu'integraben elementos carauterísticos del bebop con ritmo afrocubanos. De tolos estilos que surdieron tres la yera del swing, el latin jazz foi unu de los qu'esfrutó de mayor popularidá, y los sos esquemes básicos nun camudaron demasiáu a lo llargo de la so historia, al traviés del trabayu —por citar namái a trés de les más importantes— de les orquestes de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario Bauzá.^[33]

A partir de mediaos la década de 1960 y, especialmente, mientres los años 1970, esti estilu de fusión con músiques llatines, asitiar de forma definitiva na escena del jazz. Dientro de l'amplia denominación de "jazz llatín", suelen incluyise músiques tan distintes como les d'orixe brasilanu (bossa nova, especialmente), les d'orixe cubanu y otres de fusión con otres músiques de calter llatín (y de forma especial, el tangu). Ente los munchos artistes que desenvolvieron la so obra nes distintes variantes d'esti xéneru, cabo citar, dientro del jazz de fusión d'orixe brasilanu, a Flora Purim, Airto Moreira, Charlie Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto Pascoal, Dom Um Romão, Egberto Gismonti o Claudio Roditi . Y, na redolada de la fusión de jazz cola música afro-cubana y portorricana, atopamos a Irakere, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Emiliano Salvador, Cal Tjader, Mozu O'Farrill, Mongo Santamaría, Cándido, Sabú Martínez, Chano Pozu, Chucho Valdés, Steve Turrie o Paquito D'Rivera, amás de pianistes como Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y Michel Camilo, nos que l'elementu llatín incorporar de forma indistinguible al so orixe bop.

Muncho más apegaos a los estilos tradicionales cubanos, inclusive a la salsa, atopamos a músicos como Willie Bobo, Cachao, Carlos "Patato" Valdes, Tata Güines, Willie Colón, Jesús Alemany o Francisco Aguabella, amás d'orquestes qu'históricamente tuvieron una gran proyeición comercial, como les de Xavier Cugat y Pérez Prau. Fora del mundu antillanu, destaquen músicos que desenvolvieron trabayos d'acercamientu ente'l jazz y músiques tradicionales d'otros llugares d'América llatina: Astor Piazzolla (colos sos discos en solitariu o con Gerry Mulligan), Gatu Barbieri, Osvaldo Tarantino, Alex Acuña.^[34]

L'estilu dio orixe a lo llargo de los años a toa una serie de subxéneros rellacionaos ente los que s'atopen el boogaloo, el jazz cubanu, el jazz brasilanu, el Latin Big Band y, percima de toos en popularidá ya importancia, la bossa nova.^[33]

Jazz flamencu y otres fusiones étniques

El jazz flamencu tien el so orixe na década de 1960, cuando empezaron a surdir delles propuestes primitives de fusión ente'l flamencu de parte d'artistes como Miles Davis (Sketches of Spain, 1960; Flamencu Sketches, incluyíu en Kind of Blue, 1959) o John Coltrane (Olé, 1961). Sicasí, n'España hubo d'esperar hasta 1967, añu en que'l saxofonista Pedro Iturralde editó'l so Jazz Flamencu (MPS), un discu que cuntaba cola collaboración de Paco de Lucía y que se considera usualmente como la obra fundacional del xéneru. Discos como My Spanish Heart de Chick Corea (1976) o Friday Night in San Francisco, una grabación de 1980, en tríu, de los guitarristes Al DiMeola, John McLaughlin y Paco de Lucía, abondaben na idea de la fusión de dambos xéneros, dientro d'una corriente de renovación nel flamencu, que dempués se denominó nuevu flamencu, un conceutu que De Lucía reelaboró nos sos trabayos col sestetu integráu por él mesmu, el so hermanu Pepe de Lucía, Ramón de Algeciras, Carles Benavent, Rubem Dantas y Jorge Pardo (Live... One Summer Night, 1984). A partir de mediaos d'esa década, Benavent, Dantas y Pardo empecipiaron les sos carreres en solitariu, ayudando a consolidar un estilu onde nun tardaron n'apaecer trabayos de figures del jazz español y el flamencu, como Joan Albert Amargós, El Potito, Antonio Carmona, Chano Domínguez, Ángel Rubio, Guillermo McGill, Gerardo Núñez, Jerry González, Juan Manuel Cañizares, Agustín Carbonell "La Bola", Perico Sambeat o Javier Colina, artistes que siguen esplorando'l camín abiertu por Davis, Coltrane, Iturralde y Paco de Lucía más de mediu sieglu tras.^[35]

Nel restu del mundu distintos músicos de tradiciones bien diverses siguen ellaborando fusiones estilístiques que de cutiu tienen al jazz como coprotagonista. Esta orientación parte na década de 1950, con artistes como Dizzy Gillespie, Dollar Brand, Sun Ra o Yusef Lateef, y afítase, más tarde, a finales de los años 1960 y na década de 1970, cuando Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis o Andy Narell empezaron a fundir elementos étnicos tales como instrumentación, harmoníes o ritmos, de distintes procedencies (África, la India, Bulgaria, Francia, Brasil, Xapón, la Polinesia, Marruecos, el Caribe...), en trabayos onde la improvisación carauterística del jazz tenía un llugar importante.^[36]

Esta familia de xéneros de "fusión étnica", que la so cercanía al jazz varia d'un artista a otru, suel arrexuntase dientro del términu xeneralista "world music", denominación qu'inclúi amás otros estilos de calter pocu o nada rellacionaos col jazz. Ente los artistes que desenvolvieron el so trabayu nesta llinia, amás de los citaos, atópense Shakti, Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Winter, David Amram, Rabih Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona, Harry Partch, Trilok Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan Shankar, Alpha Blondy, Strunz & Farah, Toshinori Kondo, M'Lumbo, Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona o Hugh Masekela.^[36]

La crisis del jazz y el nuevu tradicionalismu

La puxanza del "neo-tradicionalismu" que tuvo llugar cola llegada de la década de 1980 marcó'l puntu más altu de la crisis qu'afectara al jazz dende la popularización masiva del rock, na década de 1960. El jazz representaba pa los negros norteamericanos l'alternativa popular a la música clásica, pero nel momentu que empezó a derivar, primero escontra'l free jazz y depués escontra les distintes fusiones que tuvieron llugar na década de 1970, foi alloñar cada vez más de los sos oríxenes, entrando nuna crisis d'identidá qu'a finales d'esa década entá nun fuera resuelta. Nesi periodu'l términu "jazz" solíase identificar, a cencielles cola música instrumental, los músicos blancos taben llogrando más ésitu que los negros y el panorama creativu polo xeneral yera bastante descuayante. Sicasí, la llegada de los neo-tradicionalistes camudó l'orde de les coses: en llugar d'abanderar una nueva revolución nel xéneru, reivindicaron una vuelta a los sos oríxenes treslladando los términos del alderique dende la dicotomía Free jazz/Jazz fusión al bancia ente los defensores de la pureza del estilu (neo tradicionalismu) y los partidarios de la so evolución.

Scott Hamilton, col so A Is a Good Wind Who Is Blowing Us Non Ill (1977) inauguró'l revival del jazz clásicu, el mesmu añu en que se publicar el primer discu del quintetu V.S.O.P., lideráu por Herbie Hancock. Una vuelta a los principios del bop, que se vio siguida na obra de los pianistes Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad Mehldau; de los saxofonistas Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson, Dave Liebman, Joshua Redman, James Carter o Courtney Pine; de los trompetistas Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard, y Roy Hargrove; o del trombonista Steve Turrie.

Mención estreme merez Wynton Marsalis, el principal representantes d'una saga familiar de Nueva Orleans que s'empecipia na obra d'Ellis Marsalis, padre del anterior (y de Brandford, Delfeayo y Jason, toos ellos destacaos músicos de jazz), y un importante educador que tuvo ente los sos alumnos más destacaos a Terence Blanchard, Donald Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y Marlon Jordan, ente otros.^[37] La llegada a la escena de Wynton Marsalis, consideráu pola crítica como'l músicu de jazz más famosu dende 1980, supunxo la inauguración del movimientu de los Young Lions (nuevos lleones), un movimientu que tuvo como resultáu la contratación per parte de les grandes compañíes discográfiques —inclusive d'aquelles que nunca amosaren interés dalgunu nesti tipu de música— de los nuevos talentos del jazz. Con una conocencia enciclopédica de la tradición del so instrumentu, Marsalis foi criticáu pol so papel conservador como direutor de la Lincoln Center Jazz Orchestra, una banda dedicada a caltener la identidá musical del jazz de los afroamericanos, pero tamién destacó pol so papel de divulgador de la cultura del jazz, y como introductor de nuevos talentos.^[38]

El jazz contemporaneu

A mediaos de la década de 1980 surdió en Nueva York el coleutivu M-Base, un grupu de músicos inspiraos poles idees harmóniques d'Ornette Coleman que les sos obres xiraben en redol al free jazz y al funk, con elementos procedentes de la música, la filosofía y l'espiritualidá del África Occidental. Ente los representantes más destacaos del coleutivu atopen los saxofonistas Steve Coleman, Gary Thomas y Greg Osby; el trompetista Graham Haynes; el trombonista Robin Eubanks; el guitarrista Jean-Paul Bourelly; los pianistes Geri Allen y Jason Moren; la baxista Meshell Ndegeocello; o la cantante Cassandra Wilson.

En 1988 apaez, de la mano del DJ británicu Gilles Peterson (dedicáu nesa dómina a editar remezclas de clásicos del jazz con bases hip hop) el términu acid jazz, aplicáu a un nuevu estilu musical qu'integraba elementos del jazz, del funk y del hip hop. El términu pasó a ser el nome d'una discográfica creada pol mesmu Peterson pa dar salida a grupos del estilu y, finalmente, impúnxose como denominación del propiu xéneru. Ente'l so primeres representantes atópense'l guitarrista Charlie Hunter o'l tríu Medeski Martin & Wood, pero nun tardaron en surdir derivaciones más enfocaes a les pistes de baille como Stereo MCs, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove Collective, Galliano, Incognito o los esitosos Jamiroquai. Otres bandes importantes del movimientu fueron Mondu Grosso, United Future Organization, The Jazz Warriors, Count Basic, o'l guitarrista Ronny Jordan, que desenvolvieron el gruesu de la so discografía yá entrada la década de 1990.^[39]

En 1975 el guitarrista norteamericanu William Ackerman acuñara'l términu new age pa definir un estilu de música instrumental de corte atmosféricu, que'l so orixe poder rastrexar nes fronteres del jazz cola música clásica, el folk, ya inclusive cola música sicodélica, la electrónica y les filosofíes orientales. La nueva música, dirixida a un públicu acomodao y urbano, yera una música genuinamente blanca, que'l so centru neurálxicu asítiase na Costa Oeste de los Estaos Xuníos.

Yá Tony Scott col so Music For Zen Meditation (1964) y Paul Horn (In India, 1967), ente otros, esperimentaren cola fusión del jazz coles tradiciones musicales d'oriente, pero'l xéneru tuvo qu'esperar hasta mediaos de la década de 1970 por que músicos como Mark Isham o David Darling empezaren a trazar les sos llinies definitives, que quedaron bien establecíes a lo llargo de tola década siguiente na obra de George Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka, Michael Jones, David Lanz, Liz Story, Mark Nauseef, Glen Vélez, Rob Wasserman o'l grupu Shadowfax.

Dende mediaos de la década de 1970 la ciudá de Nueva York taba esperimentando una "nueva fola" de creatividá musical, tantu nel mundu del rock como nel mundu del jazz y la música de vanguardia. La revolución neoyorquina nacía de diversos raigaños, y la cuestión racial yera una d'elles: los músicos blancos lideraben el movimientu, y los músicos negros fueren estremaos de facto tantu de la escena de la música rock como de la clásica. El jazz cruciárase enantes con otres músiques negres —el blues, el funk, el soul...—, pero hasta entós nun lo fixera con estilos como'l rock o la música clásica de vanguardia, tradicionalmente apoderaes por músicos blancos. La revolución neoyorquina camudó l'orde de les coses.

Ente los primeros músicos en catalizar toa esta serie d'elementos tuvieron el saxofonista John Zorn; el guitarrista Elliott Sharp, que les sos composiciones son un exemplu de síntesis de disonancia, repetición y improvisación; Eugene Chadbourne, qu'integraba elementos del jazz de vanguardia cola música blanca d'orixe rural; el guitarrista Henry Kaiser ; el violoncelista Tom Cora; el guitarrista irlandés Christy Doren; el batería xudíu Joey Baron; y otros munchos músicos de la mesma xeneración.

La revolución neoyorquina dexóse sentir tantu nel tipu de material nel que los músicos taben embarcándose como nel tipu de téuniques qu'emplegaben pa improvisar, recoyendo influencies de too tipu y fundiéndoles ensin llimitaciones conceptuales. Asina, el saxofonista Ned Rothenberg establecer ente la primer llinia de les nueves xeneraciones de improvisadores. Otros músicos, como'l trombonista Jim Staley, o Tom Varner, un virtuosu del corno francés, asitiar ente los más orixinales de la so xeneración. Muncho más conocíu, el guitarrista Bill Frisell asimiló na so obra inflúis del jazz y del rock, pero tamién del folk, de la música de les marching bands o inclusive de la música eclesiástica. Solistes el violonchelista Hank Roberts, o Mike Shrieve (ex batería de Santana) punxeron tamién la so capacidá integradora en primer llinia.

La segunda metá de la década de 1990 conoció un revival de la música pa big bands, un enclín que s'aniciara na década anterior, na obra de músicos como'l baxista Saheb Sarbib o'l cornetista Butch Morris. El teclista Wayne Horvitz desenvolvió la so idea del "jazz progresivu de cámara", ente que'l veteranu multinstrumentista Marty Ehrlich recoyía la influencia del jazz tradicional, la improvisación, la música llixera y la música clásica de vanguardia, y l'estauxunidense María Schneider, alumna de Gil Evans, resucitó l'estilu del so maestru en diversos álbumes pa orquesta.

Mientres la década de 1990 la ciudá de Chicago convertir nun focu de creatividá musical onde surdieron figures d'interés como la pianista Myra Melford, que debutara en 1984. El saxofonista Ken Vandermark ufiertó Big Head Heddie n'honor a Thelonious Monk y al gurú del funk George Clinton, antes d'embarcase nuna carrera singular na qu'esperimentaría con distintos formatos y aproximamientos. El violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilu d'Anthony Braxton xunir a la nueva fola de improvisadores creativos, ente que'l saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otru alumnu de Braxton, espandió'l vocabulariu del jazz con una cierta anarquía polifónica, yá nos alboreceres del sieglu XXI.

Antes de rematar la última década del sieglu XX, apaeció na escena de Nueva York una nueva xeneración de mozos músicos qu'atoparon na improvisación l'elementu clave de la so música: l'arpista Zeena Parkins, el flauteru Robert Dick, el trompetista Toshinori Kondo, o'l guitarrista Alan Licht. Otros, como'l pianista Uri Caine o'l trompetista Dave Douglas, esploraron la rellación ente'l hard bop, el free jazz y la música clásica.

A finales del sieglu XX el legáu del free jazz yera bien visible ente la comunidá negra de músicos de jazz, particularmente na escena de Nueva York, onde destacaben nomes como'l saxofonista David Ware, l'irreverente trombonista Craig Harris, o'l pianista Matthew Shipp, quien coqueteaba col hip hop. El clarinetista de formación clásica Don Byron fixera la so apaición na escena neoyorquina a principios de la década de 1990, al igual que'l saxofonista Roy Nathanson o'l trombonista Curtis Fowlkes, dambos exmiembros de Jazz Passengers. A lo último, el grupu B Sharp Jazz Quartet ensertó la so obra ente'l hard bop y el free jazz.

Más allá de les fronteres de Nueva York, siguíen apaeciendo nos últimos años del sieglu pasáu una serie d'artistes, que desenvolveríen el gruesu del so trabayu —nel que reelaboraban los conceutos establecíos por xeneraciones de jazzistas anteriores de múltiples y creatives maneres— yá nel nuevu sieglu. Por casu, el baxista Michael Formanek debutara en 1990, y l'arxentín Guillermo Gregorio o'l canadiense Paul Plimley, yá editaren discos a mediaos de la mesma década. El yugoslavu Stevan Tickmayer, pela so parte, colideró The Science Group, un intentu de fundir la música de cámara cola improvisada. Otros músicos destacaos d'esta primer xeneración del nuevu sieglu, son Greg Kelley, y el violinista canadiense Eyvind Kang, unu de los más eclécticos músicos de la so xeneración. Tamién a empiezos de los años 2000, apaecieron los discos de confirmación de músicos como'l trombonista Josh Roseman, el contrabajista Ben Allison, el saxofonista David Binney, o'l pianista Jason Lindner, toos ellos norteamericanos. Destaquen tamién los trabayos del francés Erik Truffaz y del trompetista israelín Avishai Cohen.

La revolución que traxera consigo la música electrónica exerció tamién la so influencia nel desenvolvimientu del jazz, qu'asistió al surdimientu d'una nueva xeneración de improvisadores, que veníen de la tradición del free jazz pero que recoyíen la influencia de la vanguardia clásica y de la electrónica: Ben Neill, el guitarrista y teclista Kevin Drumm, el percusionista suizu Günter Müller, o Miya Masaoka, d'orixe xaponés pero nacida en Washington D. C.. Otros creadores, como Tyondai Braxton, o'l trompetista noruegu Nils Petter Molvær, esperimentaron cola manipulación de loops orquestales y, casu tamién de Greg Headley, manipoliaron electrónicamente los soníos de los sos instrumentos ente que, a lo último, grupos como Triosk efeutuaron contribuciones importantes na mesma direición.

Nel campu del jazz rap, que yá se desenvolvió abondo nes últimes décades del sieglu XX, y empiezos del XXI, produzse una gran cantidá d'obres, per parte de grupos y músicos provenientes del hip hop, como Kanye West, Crown City Rockers, Nujabes, A Tribe Called Quest, Madlib, el dúu inglés The Herbaliser, o los franceses Hocus Pocus, ente otros.

Música popular

La música popular, nel so sentíu más ampliu, referir a una serie de xéneros musicales que tienen un gran curiosu y que xeneralmente son distribuyíos a grandes audiencies al traviés de la industria de la música. Esto ta en contraste tantu cola música culta, como cola música tradicional, que de normal espublizar académicamente o per vía oral, a audiencies locales, o más pequeñes.

L'aplicación orixinal del términu foi adoptada na década de 1880 nel periodu conocíu como Tin Pan Alley nos Estaos Xuníos.^{[ensin referencies]}

Historia

Hasta finales del sieglu XVIII, n'Europa, los dos grandes corrientes musicales qu'había yeren la qu'anguaño conocemos como música clásica, de tradición escrita y venceyada a l'aristocracia, y la música folclórica (daquella música popular), de tradición oral y venceyada a una población fundamentalmente rural.

Esta dualidá artística, que nun faía sinón reflexar la clara división social y cultural del públicu, va empezar a camudar col desenvolvimientu de la Revolución Industrial. En países como Reinu Xuníu y Francia, la crecedera de les ciudaes, la burguesía y el florecimientu d'una clase media urbana comenenciuda na cultura, promueven l'apaición d'espectáculos músicu-teatrales dirixíos a esti públicu.^[40] Estos espectáculos van representar de forma regular en llugares como les tabiernes, xardinos y salones de baille de Londres, o los teatros y los café-concert de París, y van ser el caldu de cultivu pa la creación y divulgación de cantares y otres composiciones que van dir conformando una nueva corriente, la música popular urbana. Los primeros espectáculos d'esti tipu son el ballad opera y el music hall nel Reinu Xuníu, el teatru de variedaes y el vaudeville en Francia, y a la temporada el minstrel show en EE. XX. A éstos sumaríense nes siguientes décades nuevos formatos d'espectáculo de variedaes como'l cabaré, la revista, el burlesque, etc.

Al pie de esti desenvolvimientu del mundu del espectáculu produzse tamién un progresivu acercamientu de la música a los llares de la xente, basáu per un sitiu nel abaratamientu de los instrumentos musicales, y por otru nuna disponibilidad cada vez mayor de partitures creaes pal consumu domésticu. Esti nuevu mercáu dexó que munchos compositores, qu'en dómines anteriores namái podíen trabayar sol encargu d'una institución relixosa o como emplegaos d'una corte o un importante mecenes, pudieren agora convertise en profesionales lliberales. Les sos creaciones van ser comercializaes por editores musicales que se van encargar tamién de tutelar los derechos de la composición. Exemplos d'estes creaciones pueden atopase nos lieder alemanes de Schumann o les canzonette italianes de Donizetti, pa voz y pianu, nes cualos hai de cutiu una estructura similar a la de munchos cantares pop modernes. Un fenómenu similar asocede en EE. XX. cola industria musical del Tin Pan Alley —con fuertes raigaños en folclor angloamericanu— y el so autor más conocíu, Stephen Foster.

A lo último, na segunda metá del sieglu XIX tamién cobra fuercia la ópera llixera o opereta, primero en París (con figures como Jacques Offenbach y el so popular cancán), dempués en Viena (d'onde surdieron los famosos valses de los Strauss) y Londres. N'España tamién se practicó'l xéneru de la opereta, sol nome de zarzuela.

Sieglu XX

Anque los estilos de música popular del XIX van siguir teniendo vixencia mientres el sieglu XX (especialmente na primer metá), el nuevu sieglu va vese sacudíu por dos grandes movimientos musicales de repercusión internacional: el jazz (na primer metá del sieglu) y el rock (na segunda metá). Dambos tienen el so orixe en EE. XX. y dambos tán fuertemente influyíos pola música de la población negra.

Los estilos de la música popular occidental del sieglu XIX, que se nutrieron tantu de fontes cultes como folclóriques, siguieron el so desenvolvimientu nel sieglu XX paralelamente a l'apaición de les nueves corrientes como'l jazz o'l rock.

Hasta la década de 1960, nel terrén vocal prevaleció la cantar llixeru popularizada polos espectáculos de variedaes y polos empiezos de la radio y del cine sonoru, calteniendo ciertos calteres propios en cada país. Asina asocedió col pop tradicional estauxunidense (con creaciones de Cole Porter, George Gershwin o Irving Berlin), la cantar francés o "chanson" (con artistes como Édith Piaf o Jacques Brel), la cantar italianu (onde destaca la cantar napolitán, con Renato Carosone) o la cantar alemán (representada pol Kabarett y el Schlager). Igualmente asocede n'España cola cantar español, que'l so xéneru más representativu ye primero'l cuplé y dempués la copla (con figures como Concha Piquer, Antonio Molina y darréu Lola Flores o Rocío Jurado). Llatinoamérica pela so parte esportó xéneros como'l boleru (con Antonio Machín y otros) o los ritmos de baille tan populares como'l tangu (con Carlos Gardel), la rumba o'l mambo.

Na segunda metá del sieglu los espectáculos de variedaes entren en franca decadencia, y anque el cantar llixeru va siguir gociando de notable popularidá hasta los nuesos díes, va dir venciendo terrenal −sobremanera ente la xente nuevo− ante la meyora de la moderna música pop/rock, de la cual va recibir una considerable influencia llegando inclusive a confundise con ella. La resultancia ye'l xéneru conocíu como cantar melódicu, representada nel mundu hispanu por artistes como Raphael, Julio Iglesias, Luis Miguel, Il Divo o'l brasilanu Roberto Carlos, mientres nel mundu anglosaxón pueden destacar les figures de Frank Sinatra o Barbra Streisand. Otros artistes destacables d'esta etapa son los franceses Charles Aznavour y Serge Gainsbourg, la griega Nana Mouskouri o l'italianu Domenico Modugno.

Señalar d'últimes la pervivencia en tol sieglu XX d'un xéneru mistu ente teatru, música popular y baille que, con oríxenes nel XIX, va caltener la so fortaleza hasta los nuesos díes: el musical. Con epicentru creativu en Broadway (Nueva York) y West End (Londres), de la mano d'autores como Leonard Bernstein o Andrew Lloyd Weber, el musical fructificó tamién n'otres capitales europees, llatinoamericanes y asiátiques, y tuvo el so reflexu tamién nel séptimu arte con adautaciones o creaciones orixinales dientro del cine musical.

El pop y el rock

El rock and roll nació nos años 50 como una música animada y de ritmu rápidu que surdía fundamentalmente d'un maridaje interracial ente'l rhythm and blues negru y el country blancu. Pioneros d'esti xéneru fueron mayormente artistes de color como Chuck Berry o Little Richard, anque tamién cantantes blancos como Bill Haley y especialmente Elvis Presley, que llevaría'l fenómenu del rock and roll a les sos máximes cotes de popularidá. El nuevu xéneru, qu'enraigonó fundamentalmente ente la xente nuevo, combinar na década siguiente con otros estilos de música popular dando llugar a una serie de variantes conocíes genéricamente como rock, que terminaríen espandiéndose polos cinco continentes.

Na década de los 60, les figures dominantes del rock primixeniu americanu tuvieron que dexar protagonismu ante la meyora d'una nueva folada de grupos británicos que recibieren la influencia del rock and roll. Surde lo que se denominaría como Invasión británica. Bandes como The Beatles, The Rolling Stones, The Who o The Animals, que tuvieron respuesta n'América con grupos como The Beach Boys o The Byrds, contribuyiríen notablemente a la evolución del rock y al surdimientu de la nueva cara de la música popular blanca: la música pop. Per otra parte, a la fin de la década artistes estauxunidenses como Jimi Hendrix o The Doors tamién xugaríen un papel fundamental nel desenvolvimientu de la música rock. Coles mesmes, consolidáronse nuevos enclinos ente los norteamericanos de color, como'l soul y el funk, cola figura destacada de James Brown. Producióse tamién n'Estaos Xuníos un revival de la música folk col cantar protesta, representada ente otros por Bob Dylan.

Los años 70 vieron nacer nuevos estilos, como'l hard rock (una variante del rock más dura y de guitarres llétriques más aburuyaes), el reggae d'orixe xamaicanu, el rock progresivu, el punk, el rap, la música discu (qu'apoderó les pistes de baille), o los primeros pasos de la música electrónica nel ámbitu de lo popular, onde van espuntar compositores como Jean-Michel Jarre o Vangelis. Al nivel más comercial, los mayores ésitos pertenecieron a artistes pop como Elton John o'l grupu suecu ABBA. Coles mesmes algamaben repercusión internacional nuevos ritmos llatinos como la salsa cubana o la bossa nova brasilana, y, en distintes zones del mundu, remanecíen estilos qu'entemecíen elementos del pop/rock occidental cola música popular local (asina tomen forma'l Afropop, el rock llatín, el J-Pop, el pop rusu, etc.). A lo último, foi esta década la dómina dorada de la canción d'autor en países del sur d'Europa (España, Francia, Italia...) y Llatinoamérica.

La incorporación de los soníos sintetizaos y la popularidá del videoclip marcaron la estética de la música pop de los 80, onde destacaron figures como Michael Jackson o Madonna, xunto a grupos pop-rock europeos d'una nueva fola (New Wave) que buscaben soníos alternativos, como U2 o The Police. Nes discoteques, la música discu dexaba pasu a la música electrónica de baille como'l post-discu, l'house o'l techno. Ente los amantes de la música lento y relaxante consolidábase'l new age y, nel otru estremu del espectru musical, el heavy metal algamaba la so mayor popularidá a entrambos llaos del Atlánticu.

Nos años 90, el grunge de Nirvana y el rock alternativu comparten protagonismu col britpop de Blur y Oasis nes llistes d'ésitos, mientres la escena dance, venceyada a les pistes de baille, desenvuelve una cada vez más variada prole de subxéneros electrónicos (trance, drum and bass, chill-out...). Una multiplicación similar consolidar dende la década anterior nel ámbitu del heavy metal, con derivaciones como'l thrash metal (lideráu pela banda Metallica) y otros subxéneros como'l metal progresivo o'l death metal. Con tou, les ventes de discos nesta década van tar lideraes por artistes musicalmente más conservadores como Mariah Carey y otres estrelles angloamericanes del pop melódicu.

La música popular entra asina finalmente nel sieglu XXI con un yá ampliu bagaxe a los sos llombos, carauterizáu pol ensame de xéneros y estilos que fueron tomando forma década tres década, y conformando un estensu y variáu cuerpu de música apreciáu por xente de distintos gustos, edaes, ideoloxíes y estracciones sociales a lo llargo y anchu de tol mundu.

Notes

↑ Autores como Robert Goffin (Nouvelle histoire du jazz, Bruxeles, 1948) o André Hodeir (Introduction a la musique de jazz, París, 1948), aseguren que'l cornetista Manuel Pérez yá yera un músicu conocíu cuando Bolden algamó la fama, polo que nun sería'l primeru.
↑ El pianu o la guitarra quedaben lliberaos nel bop de la so función de marcaje rítmicu.
↑ Cool, n'inglés, nun tien equí una traducción direuta; puede significar nesti contestu, "tranquilidá", "aselu", "aselu"..., anque tamién s'utilizaba na xíriga jazzístico pa referise a lo que "taba de moda"

Referencies

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Bibliografía

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Enllaces esternos

[6] Autores como Robert Goffin (Nouvelle histoire du jazz, Bruxeles, 1948) o André Hodeir (Introduction a la musique de jazz, París, 1948), aseguren que'l cornetista Manuel Pérez yá yera un músicu conocíu cuando Bolden algamó la fama, polo que nun sería'l primeru.

[20] El pianu o la guitarra quedaben lliberaos nel bop de la so función de marcaje rítmicu.

[21] Cool, n'inglés, nun tien equí una traducción direuta; puede significar nesti contestu, "tranquilidá", "aselu", "aselu"..., anque tamién s'utilizaba na xíriga jazzístico pa referise a lo que "taba de moda"

[1] Wallin, Nils Lennart; Steven Brown, Björn Merker: The origins of music. ISBN 0-262-73143-6

[2] Marvin Harris: La nuesa Especie.
Juan Luis Arsuaga: El collar del Neandertal, y L'enigma de la esfinxe.

[Acope1-3] Cope, 1997, p. 101.

[Edwards-4] Edwards 2001, pp. 326-327.

[5] Ortiz Oderigo 1958, pp. 119-121

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[9] Berendt 1988, pp. 27

[10] Arnau 1984, pp. 24

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[12] Hughes, Langston (1940): The Big Sea, Nueva York

[13] Ortiz Oderigo 1958, pp. 203

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[16] Goffin, Robert (1944): Jazz: From The Congo to the Metropolitan, New York

[17] Ortiz Oderigo 1958, pp. 214

[18] Berendt 1988, p. 34

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[22] Dimery, Robert (2005). 1001 discos qu'hai qu'escuchar antes de morrer. Barcelona: Grijalbo, páx. 45. ISBN 84-253-3978-2.

[23] Clayton & Gammond 1990, pp. 138

[24] Gerber, Alain: Jazzmen from Detroit. Linernotes. BYG- Actuel S-26065. 1979

[25] Riambau 1995, pp. 71

[26] Berendt 1988, pp. 49

[27] Clayton & Gammond 1990, pp. 265

[souljazz-28] Scott Yanow. «AExplore Music - Soul Jazz» (inglés). allmusic.com. Archiváu dende l'orixinal, el 2012-05-13. Consultáu'l 11 de mayu de 2011.

[29] Carles & Comolli 1991, pp. 348

[30] Sáenz 1971, pp. 36

[31] Sáenz 1971, pp. 79 y ss.

[32] Williams, Martin (1964). Jazz Panorama. Nueva York: Collier Books. ISBN B001MBZO8Y.

[33] Sáenz 1971, pp. 93

[34] Sáenz 1971, pp. 49

[35] Bauzá, José: Jazz: Grabaciones maestres, Institutu de Estudio Juan Gil-Albert, Alicante, 1986, páx. 184

[alllatin-36] 33,0 ^33,1 Scott Yanow. «Explore Music - Smooth Jazz» (inglés). allmusic.com. Archiváu dende l'orixinal, el 2011-12-14. Consultáu'l 6 de mayu de 2011.

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[38] "Especial: El Jazz Flamencu güei" en Ezequiel Paz (febreru de 2003). «Crucies sonoros de la interculturalidad 1». flamencu-world.com. Archiváu dende l'orixinal, el 2 d'avientu de 2015. Consultáu'l 6 de mayu de 2011.Ezequiel Paz (febreru de 2003). «Crucies sonoros de la interculturalidad 2». flamencu-world.com. Archiváu dende l'orixinal, el 2 d'avientu de 2015. Consultáu'l 6 de mayu de 2011.

[allworldfusion-39] 36,0 ^36,1 Mark C. Gridley. «Explore Music - World Fusion». allmusic.com. Consultáu'l 6 de mayu de 2011.

[40] Scott Yanow. «Ellis Marsalis» (inglés). allmusic.com. Consultáu'l 9 de mayu de 2011.

[41] Scott Yanow. «Wynton Marsalis» (inglés). allmusic.com. Consultáu'l 9 de mayu de 2011.

[42] «Explore Music - Acid Jazz» (inglés). allmusic.com. Archiváu dende l'orixinal, el 2011-11-03. Consultáu'l 10 de mayu de 2011.

[NewGrovev15p87-43] The New Grove Dictionary of Music and Musicians, volume 15, p. 87.

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